tag:blogger.com,1999:blog-77214387631696371872024-03-19T09:48:19.476+01:00Ragged GloryGonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.comBlogger1395125tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-6398439318212077372024-03-18T08:16:00.000+01:002024-03-18T08:16:59.547+01:00Keepin' Up With The Joneses<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEho2W6JY104lCAkRj2CmT1NQQ7g_xK62nbf78ZaqkKPUUJ2sioazmigrl-Nl6DksQB9Iv3GW1U_jjr1-93dSy7Gpo8gWFr-ATjThtI7JaOxXsBHWSaOcP5vAEnVgnq15ZeshGGHTxi1TR9na_jfKPuSx5cKFfMLYrnQl24xh9o42nc9ZSbfnEp4fW2ut-Fm/s600/Keepin'%20Up%20With%20The%20Joneses.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="596" data-original-width="600" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEho2W6JY104lCAkRj2CmT1NQQ7g_xK62nbf78ZaqkKPUUJ2sioazmigrl-Nl6DksQB9Iv3GW1U_jjr1-93dSy7Gpo8gWFr-ATjThtI7JaOxXsBHWSaOcP5vAEnVgnq15ZeshGGHTxi1TR9na_jfKPuSx5cKFfMLYrnQl24xh9o42nc9ZSbfnEp4fW2ut-Fm/s320/Keepin'%20Up%20With%20The%20Joneses.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">La magnitud de lo que se cuece en la escena jazz del cogollo del siglo XX nos la dan álbumes como este <i>Keepin' Up With The Joneses</i> que hoy dejamos caer en Ragged Glory. Y eso es así porque, siendo un elepé prácticamente olvidado y considerando las carreras individuales de cada uno de los tres hermanos Jones (no digamos si es de Elvin de quien hablamos), no deja de ser una grabación de notable alto que no se puede soslayar o guardar en el cajón de las obras menores.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjc6SUAlkWYtmHzKfB1sjQaJ9D9V0k10zmxKBDSQIXRJxW1V9_KYCKU8FWTTX-E2JJInjr-IaXNDXEg6GXIqhLx0lKZn0a-QeC8_u3I7Rq3A-UKWpHvNT8n7kT5TS_B9V5VaewuZtFEGHQa9jPdN_qlPS1qgT_5r2fgYQp2n1a3IU4GTLaEOkND0D9J0OwW/s500/Thad%20Jones.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjc6SUAlkWYtmHzKfB1sjQaJ9D9V0k10zmxKBDSQIXRJxW1V9_KYCKU8FWTTX-E2JJInjr-IaXNDXEg6GXIqhLx0lKZn0a-QeC8_u3I7Rq3A-UKWpHvNT8n7kT5TS_B9V5VaewuZtFEGHQa9jPdN_qlPS1qgT_5r2fgYQp2n1a3IU4GTLaEOkND0D9J0OwW/s320/Thad%20Jones.jpg" width="320" /></a></div><span style="font-family: georgia;"></span><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Reunidos Thad (compositor de los cuatros originales, trompeta y fiscorno), Hank (piano y órgano) y Elvin (batería) el 24 de marzo de 1958 en Nueva York, no se queda ahí el apellido Jones, pues Eddie Jones se encarga del contrabajo sin tener relación familiar alguna con los otros intérpretes y los tres temas que completan el trabajo son composiciones de los años veinte y treinta de Ismah Jones; es decir, Jones por aquí, Jones por allá y Jones por acullá.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXFKm3_jHDbOWtF4_QZZvgf0fJBDM9ZucIRAMW2oZLVa2Sl31wj6CeMa74YiX8SnSFLGer7mKOSUnQ-YsBbPLRnljaXuBV5D_-HKoPio_BlJkbknNQCPvwKlJq435sAqodalbqOl67aU5PeQBljIUzawxTcSde98GlbDG2PprVXd3CtfWLxMTFtFBR19Na/s318/Hank%20Jones.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="159" data-original-width="318" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXFKm3_jHDbOWtF4_QZZvgf0fJBDM9ZucIRAMW2oZLVa2Sl31wj6CeMa74YiX8SnSFLGer7mKOSUnQ-YsBbPLRnljaXuBV5D_-HKoPio_BlJkbknNQCPvwKlJq435sAqodalbqOl67aU5PeQBljIUzawxTcSde98GlbDG2PprVXd3CtfWLxMTFtFBR19Na/w400-h200/Hank%20Jones.jpg" width="400" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;"><i>Nice And Nasty</i> es el primero de los siete cortes, donde el hard bop de colores swing que domina la función ya se muestra explícito y el fiscorno de Thad suena espectacular y prominente. En el tema que da título al álbum son las teclas de Hank las protagonistas, primero por el solo de piano y, después, por el de órgano, entre los que Thad ha sacado de paseo su trompeta. <i>Three And One</i> ofrece un equilibrio de fuerzas entre Hank y su piano, Thad y su fiscorno y Elvin y sus baquetas, siendo Eddie el único que no aporta improvisación. En su juego de alternancia, recupera Thad la trompeta y ejecuta un buen solo al que responde igual de elegante Hank en <i>Sput 'N' Jeff</i>, donde por fin escuchamos (a Elvin también) improvisar a Eddie.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgk3YtbIaOUgfftTGiVFbqIRviZtQPCiF4GuUI5xYA4tbKO0wAOxFROWzTmtiTLVgLhOVZxxA9vpSFaGwCNC-RzSfDADe55c3zWbmlx9R0i188bpFWW4DLC5MezSlh8Wqkk6W0luElhi5jPMyjeYwNGfghfovPUPDYnjDE32KB1kS0iqSq-zv5vKG-A1FRm/s600/Elvin%20Jones.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgk3YtbIaOUgfftTGiVFbqIRviZtQPCiF4GuUI5xYA4tbKO0wAOxFROWzTmtiTLVgLhOVZxxA9vpSFaGwCNC-RzSfDADe55c3zWbmlx9R0i188bpFWW4DLC5MezSlh8Wqkk6W0luElhi5jPMyjeYwNGfghfovPUPDYnjDE32KB1kS0iqSq-zv5vKG-A1FRm/s320/Elvin%20Jones.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Las tres piezas finales son las de Ismah Jones. <i>It Had To Be You</i> lleva dentro dos espléndidas intervenciones de fiscorno de Thad, líder indubitado de sus casi cinco minutos. <i>On The Alamo </i>sirve para que Hank luzca sus habilidades, aunque Thad deje constancia de su presencia con unas hermosas notas arrancadas a su trompeta. Despedida de <i>Keepin' Up With The Joneses</i>, la famosa balada <i>There Is No Greater Love</i> (que tantos artistas han versionado) vuelve a tener como eje el fiscorno de Thad Jones y sus dos solos, dejándonos con hambre de más. No lo hay, pero todo lo que hemos disfrutado no nos lo quita nadie. ¿Olvidado?, ¿soslayado?, ¿menor? Para nosotros, en absoluto. ¡Jones, Jones y Jones!</span><br /></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-39864112409388536942024-03-14T12:05:00.000+01:002024-03-14T12:05:12.464+01:00Synchronicity<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQi6qlIteAVFkdAOE_qCJ4jTbxQqDWwnW_vOl8moRa6XhViTRutXfcO2wBsEjbgRaVlA44ObmF3p-7Q98zGCWoAy9doI27DUhpESGrbyf_l3yFecjhace5BLcuJT-Rb-Wv3afnlYLqE6VrlQ-nAuyWxHmm3XmIKTVhRVtROQdK_lEA2rSpugM1qRMOGt9Q/s599/Synchronicity.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="599" data-original-width="594" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQi6qlIteAVFkdAOE_qCJ4jTbxQqDWwnW_vOl8moRa6XhViTRutXfcO2wBsEjbgRaVlA44ObmF3p-7Q98zGCWoAy9doI27DUhpESGrbyf_l3yFecjhace5BLcuJT-Rb-Wv3afnlYLqE6VrlQ-nAuyWxHmm3XmIKTVhRVtROQdK_lEA2rSpugM1qRMOGt9Q/s320/Synchronicity.jpg" width="317" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Describir el último disco de The Police con un vocablo o una frase que lo epitome no es fácil o difícil: es falso. En efecto. Hay en <i>Synchronicity</i> (1983) canciones y estilos muy diferentes y dos caras o mitades alejadas una de la otra radicalmente. <i>Synchronicity I </i>es un comienzo abrasivo que bascula entre la new wave y el punk rock (al menos su energía) al que se yuxtapone un <i>Walking In Your Footsteps</i> cuyo minimalismo que simula ser arcaico y plantea disonancias mediante la guitarra de Andy Summers vive en otro planeta musical. <i>O My God</i> escribe su funk espacial con sintetizadores, metales y los arpegios que Summers ya ha sacado a relucir alguna que otra vez en la obra de los autores de<i> Zenyatta Mondatta</i>. Es el guitarrista quien aporta la esquizofrénica <i>Mother</i>, mientras que Stewart Copeland trae la breve <i>Miss Gradenko</i>, donde luce su batería en un tema atractivo pero menor. Vuelve Sting a componer en <i>Synchronicity II</i>, que aunque es diferente a la primera y no es su continuación (en lo musical; sí en lo lírico y sus conexiones con el famoso psiquiatra Carl Jung) sí tiene un poderío similar si no mayor, siendo ambas y homónimas piezas (si obviamos el número cardinal que acompaña a cada una) los únicos momentos roqueros del plástico.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq99gEHPyTA2JflOg5QOgZANAFLShu7m06SKC7-8hgtJknu1DcAJw07CwtY4SaFQtgYuo2HHxgS-WvJPTLk-lyriLgtSFMxjX7YYwgXJ7sAW6RS9ETbMhJxa3iWNC5HzZhisu3YxUGmS4GgWgUtAup94dC4opJp2auh_5ujr5WlUf0wA-aHgOYqQVPpULY/s900/Sting,%201983.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="597" data-original-width="900" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq99gEHPyTA2JflOg5QOgZANAFLShu7m06SKC7-8hgtJknu1DcAJw07CwtY4SaFQtgYuo2HHxgS-WvJPTLk-lyriLgtSFMxjX7YYwgXJ7sAW6RS9ETbMhJxa3iWNC5HzZhisu3YxUGmS4GgWgUtAup94dC4opJp2auh_5ujr5WlUf0wA-aHgOYqQVPpULY/w400-h265/Sting,%201983.jpg" width="400" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Cualquier parecido con la primera cara, no digamos ya con los tres primeros discos del trío británico, se borra de la segunda. Las cuatro composiciones que le dan forma van de la balada al pop de ropajes que colindan con la new age o la world music, movimientos que el anterior trabajo de Police, <i>Ghost In The Machine</i>, ya anticipaba. Qué decir de la canción sentimental más famosa de los años ochenta, sustentada en el dolor del propio Sting. Por mucho que suene, <i>Every Breath You Take</i> nunca dejará de convocar a nuestros sentimientos o de recordarnos nuestras rupturas, nuestros fracasos. <i>King Of Pain</i> explicita de nuevo la hipérbole del dolor ("el rey del dolor") que produce en tiempo real el amor perdido. No abandona su mundo el cantante de Wallsend en <i>Wrapped Around Your Finger</i>, decorando su flujo lento con los teclados que —diversos— no han dejado de sonar desde que dimos la vuelta al elepé. No los hay en <i>Tea In The Sahara</i>, la suave despedida creada sobre la excelente novela de Paul Bowles <i>El cielo protector</i>. Los acordes fantasmagóricos de las seis cuerdas de Summers, el bajo y las pocas notas del oboe que toca Sting, la percusión de Copeland y la letra caminan juntos asimilando el misterio de la narración de Bowles. El final de <i>Synchronicity</i> y de una discografía cuando The Police se hallaba en lo más alto comercialmente hablando. Desconozco si hubiera dado más de sí artísticamente, pero su quinto álbum mantuvo la creatividad además de aventar la fama hasta el infinito.<br /></span></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-59894877055210004592024-03-11T08:24:00.000+01:002024-03-11T08:24:00.627+01:00The Lonesome Jubilee<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrUqv7ONqzaIIA1KqQIS5-lPPaI0kqGdh28bkaHcaAG5YLs4dV8TEoO_RKvG1AgjLMMxtp1inmGUh_LxpbWT6HMEzflrMjszKDpxIGBTiDEpqahbL4scMA01DJHw2ylwgV1p-0_SdRvnRjJUQDcMgImjCujdu0VbJdl0jtuyvSLC2NTEOOwvrtxYd4NRFz/s600/The%20Lonesome%20Jubilee.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="575" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrUqv7ONqzaIIA1KqQIS5-lPPaI0kqGdh28bkaHcaAG5YLs4dV8TEoO_RKvG1AgjLMMxtp1inmGUh_LxpbWT6HMEzflrMjszKDpxIGBTiDEpqahbL4scMA01DJHw2ylwgV1p-0_SdRvnRjJUQDcMgImjCujdu0VbJdl0jtuyvSLC2NTEOOwvrtxYd4NRFz/s320/The%20Lonesome%20Jubilee.jpg" width="307" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Rock rabiosamente americano y fácil de ubicar en la década en que es parido (hablamos del año 1987), el de <i>The Lonesome Jubilee</i> tiene además una clara conexión con la tradición popular musical estadounidense (bluegrass, folk, góspel…) que se ve reflejada especialmente en la sonoridades que instrument0s como el violín, el acordeón, el banjo, el dobro, la mandolina o el salterio suman a las de la guitarra, el bajo y la batería, elementos centrales de la narrativa rocker. Quizá sea esa reivindicación de los valores <i>perdidos</i> de su país —los que inexorablemente remiten a la Gran Depresión y el New Deal o a las posteriores luchas por los derechos civiles— que recorre el elepé de John Mellencamp la que le empuja a arreglar las canciones con dichos instrumentos, mirando hacia atrás no solo metafórica o políticamente sino físicamente.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZhSO_abICFwhFNXhyPZuwXvNI2db_cMVZUfMmVINpUlc9oCLst9e24xdZPdOeCA9mZFjjO0Ae2zmZ50O3BEgSNeUC6SspuD-S_dbIy-HYKyA9yxTNcbsTUYTzeyCKxfSRHxtbtzCn1woBtuW40mPXySBVUiUSW-z0c5uFNdL_MB2TUB3aITRO1Eily6O-/s600/The%20Lonesome%20Jubilee%20(interior%20izquierda).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="590" data-original-width="600" height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZhSO_abICFwhFNXhyPZuwXvNI2db_cMVZUfMmVINpUlc9oCLst9e24xdZPdOeCA9mZFjjO0Ae2zmZ50O3BEgSNeUC6SspuD-S_dbIy-HYKyA9yxTNcbsTUYTzeyCKxfSRHxtbtzCn1woBtuW40mPXySBVUiUSW-z0c5uFNdL_MB2TUB3aITRO1Eily6O-/s320/The%20Lonesome%20Jubilee%20(interior%20izquierda).jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Sea como fuere, Mellencamp (todavía con el "Cougar" en el nombre por entonces) entrega una colección de temas excelente y emocionante que hablan del sentimiento de comunidad frente al egoísmo neoliberal que destroza los Estados Unidos, o los Estados Unidos en los que él cree. <i>Paper In Fire</i> enciende la mecha casi literalmente con un corte perfecto para iniciar un disco enardeciendo al oyente. <i>Down And Out In Paradise</i> es una carta abierta al presidente de la nación (el infecto Ronald Reagan, que protagonizaba a la sazón el papel más mortífero de su carrera) que oscila entre el country y el funk y la estrofa sosegada y el estribillo explosivo. Con mención especial para la guitarra de Larry Crane,<i> Check It Out</i> se traslada a terrenos del heartland rock, espesa definición o descripción o adscripción que a mí tampoco me convence en general pero que aquí considero suficientemente precisa. La festiva <i>Real Life</i> habla sobre cambiar tu destino a mitad de camino, de dejar de hacer "lo que se supone que debo de hacer" y buscar nuevos horizontes sin importar "la edad que tengas". <i>Cherry Bomb</i> deja ver huellas de los Stones más campestres en su mirada a la adolescencia que clausura la primera cara además de ser uno de los tres singles del trabajo junto con <i>Paper In Fire</i> y <i>Check It Out</i>.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicqqa0T3yW86sjNLGRMqDd7FzkYqwOJrtIyMZaMLUiGkmBZYFxWM62l1xyfW6CTHChqlp1VLZjKMXvJzeMB8NRp-Zcg-WZY0IjVpBX6sX8SXvUbRYRoBH7O8eSwyIKhcnCyrI9a79ha71geOS8v0QdaWvj-wiV2vFiK-6SxT3eEKShUfTy18hcU0ezPlpI/s600/The%20Lonesome%20Jubilee%20(interior%20derecha).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="587" data-original-width="600" height="313" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicqqa0T3yW86sjNLGRMqDd7FzkYqwOJrtIyMZaMLUiGkmBZYFxWM62l1xyfW6CTHChqlp1VLZjKMXvJzeMB8NRp-Zcg-WZY0IjVpBX6sX8SXvUbRYRoBH7O8eSwyIKhcnCyrI9a79ha71geOS8v0QdaWvj-wiV2vFiK-6SxT3eEKShUfTy18hcU0ezPlpI/s320/The%20Lonesome%20Jubilee%20(interior%20derecha).jpg" width="320" /></a></div><span style="font-family: georgia;"></span><p></p><p><span style="font-family: georgia;">No hay sencillos en la segunda mitad, pero <i>We Are The People</i> podría haberlo sido perfectamente. Partiendo de diferentes referentes artísticos, culturales e incluso simbólicos, Mellencamp manda un mensaje similar al de Patti Smith un año después en <i>People Have The Power</i> mediante una composición llena de sentimiento y reivindicación en la que brilla el violín de Lisa Germano y sus dos solos. Ya solo por sus títulos es fácil adivinar que <i>Empty Hands</i> y <i>Hard Times For An Honest Man</i> van a profundizar en el comentario social y político, pop con apuntes funk y country el de la primera y matices folk y góspel el de la segunda. <i>Hotdogs And Hamburguers</i> tiene todo lo que hemos venido comentando: bluegrass, folk, góspel, pop, rock y un nombre que es purito yanqui. El rock and roll básico más los arreglos instrumentales que han recorrido el álbum sirven para que <i>Rooty Toot Toot</i> despida <i>The Lonesome Jubilee</i>, cuya edición en vinilo de carpeta abierta y letras y fotos impresas en ella mejora la experiencia de su escucha. Aunque, no hay duda, sea la música la que mande.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdhCrlqJaPwIYAeHZmHI0WXPBz1kyt_AJLQnP1g5qmMr_t6Kbm4WEb9sh4pCeEpT__IRZDq3-rBf695dyiBSy_63vOYUCIuzhzHTrnahaTyNf0CHelYVZ9XuQ3nT4xpKi5GYj_W02AcZieZ1kJbthvDTwbpcG4W0ryBrT8k1rCnJrvsclEZfGh6EODL40c/s600/The%20Lonesome%20Jubilee%20(contraportada).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="572" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdhCrlqJaPwIYAeHZmHI0WXPBz1kyt_AJLQnP1g5qmMr_t6Kbm4WEb9sh4pCeEpT__IRZDq3-rBf695dyiBSy_63vOYUCIuzhzHTrnahaTyNf0CHelYVZ9XuQ3nT4xpKi5GYj_W02AcZieZ1kJbthvDTwbpcG4W0ryBrT8k1rCnJrvsclEZfGh6EODL40c/s320/The%20Lonesome%20Jubilee%20(contraportada).jpg" width="305" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia;"><br /></span><p></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-28073940065451048062024-03-07T08:36:00.001+01:002024-03-08T09:19:17.697+01:00King Creole<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxg7I1hjOP-Ykp-4QiSV1hVFkKGFE-peFwD62hDjsLBmmCxxFBashTO8sYlsFyejX2i6ZUHaNI87jjOkppG4qElBISx1AR0U34GNknmSyO8OmnSQ5V4UZ1DSzYgCx_6IXb1hAIJFen0BqNYSB0uO6x_2fen7PiHU6GUJY1vf9KynpgdtDlOob2dsML-G82/s600/King%20Creole.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxg7I1hjOP-Ykp-4QiSV1hVFkKGFE-peFwD62hDjsLBmmCxxFBashTO8sYlsFyejX2i6ZUHaNI87jjOkppG4qElBISx1AR0U34GNknmSyO8OmnSQ5V4UZ1DSzYgCx_6IXb1hAIJFen0BqNYSB0uO6x_2fen7PiHU6GUJY1vf9KynpgdtDlOob2dsML-G82/s320/King%20Creole.jpg" width="320" /></a></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Once canciones en veintidós minutos. Eso es lo que contiene la banda sonora de <i>King Creole</i>, película de 1958 dirigida por Michael Curtiz y protagonizada por Elvis Presley. Aunque no toda ella se sitúa a la misma altura, lo cierto es que el elepé que la alberga pasa como un suspiro por su brevedad y por gozar de algunas canciones maravillosas y hoy ya clásicas. Verbigracia y sin ir más lejos, la que lo abre y titula.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzYW026AO4VqZE7vlAoQ12940KEh0Lp-WDGMF53yhL9JmV6MwpigYWH7gaxJ7TskxvtzLm2-G_GUFeRGYF1SjdjxmhgwCWBXqFa9qC1TdpijNx07NjFezmcd8Z8j6A-7odULdabAhQ8jMeqEAc6ib6QocfNVcMh8JXTLaJ8iOK5U2ncw2mNRDGPli6qy5X/s1280/King%20Creole%20(imagen%20pel%C3%ADcula).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzYW026AO4VqZE7vlAoQ12940KEh0Lp-WDGMF53yhL9JmV6MwpigYWH7gaxJ7TskxvtzLm2-G_GUFeRGYF1SjdjxmhgwCWBXqFa9qC1TdpijNx07NjFezmcd8Z8j6A-7odULdabAhQ8jMeqEAc6ib6QocfNVcMh8JXTLaJ8iOK5U2ncw2mNRDGPli6qy5X/w400-h225/King%20Creole%20(imagen%20pel%C3%ADcula).jpg" width="400" /></a></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Es <i>King Creole</i>, sí, un espectáculo de rock and roll y doo-wop compuesto por Leiber y Stoller que, más allá de la perfecta escritura de la pareja, se beneficia de un Elvis que canta como nadie, los coros de los Jordanaires y el fantástico solo de guitarra de Scotty Moore. As <i>Long As I Have You</i> es una balada correcta que se come por completo el tremendo rock and roll de Claude Demetrius <i>Hard Headed Woman</i>, un tema frenético capaz de levantar el ánimo a la persona más depresiva. No menos espléndido es el <i>Trouble</i> (de nuevo gracias, Jerry Leiber y Mike Stoller) que aúna R&B y swing en su tórrido discurrir, uno de los momentos álgidos de una carrera, la de Elvis, que tiene bastantes. Los vientos siguen mandando en <i>Dixieland Rock</i>, potente corte que su título explica estilísticamente a la perfección. <i>Don't Ask Me Why</i> es otra balada que no pasa del aprobado también escrita por Fred Wise y Ben Weisman, si bien el doo-wop de <i>Lover Doll</i> y, especialmente, el dueto con Kitty White <i>Crawfish</i> levantan el nivel. Mención aparte merece este corte por su minimalismo sinuoso que se sale del tono del álbum, por la compañía femenina de White y por ser, aunque parezca mentira, la tercera composición de Wise y Weisman.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_OAwVc2cj80g0g1FSTo1FtGx2r6hMd49M8By8jSHcVTLyi-OwYt8L0_KWEZA5XEOTkhT1cueXYpP1J7wIbn4O7KEwDn1Gj8WFdDyqaa6FvGQGvjo7p0KbQLFX2i6gST93c9glC0ZVRkVbNcLY_JPJnkxYY7pcZQspofiK2PLREtfpM8quyKATIx9FEJRD/s600/King%20Creole%20(2).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="597" data-original-width="600" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_OAwVc2cj80g0g1FSTo1FtGx2r6hMd49M8By8jSHcVTLyi-OwYt8L0_KWEZA5XEOTkhT1cueXYpP1J7wIbn4O7KEwDn1Gj8WFdDyqaa6FvGQGvjo7p0KbQLFX2i6gST93c9glC0ZVRkVbNcLY_JPJnkxYY7pcZQspofiK2PLREtfpM8quyKATIx9FEJRD/s320/King%20Creole%20(2).jpg" width="320" /></a></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">El tema vocal <i>Steadfast, Loyal And True</i>, de poco más de un minuto, es igualmente la tercera aportación de Leiber y Stoller, antes de que en <i>New Orleans</i> Elvis Presley cante a la ciudad donde transcurre <i>King Creole</i>, dé por finalizado el plástico y se prepare para hacer el servicio militar. Sin embargo, eso es otra historia que nada tiene que ver con la música aquí comentada. Aun con sus altibajos, un soundtrack imprescindible.</span><br /></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-29721074296388880202024-03-04T08:12:00.000+01:002024-03-04T08:12:21.329+01:00Scary Monsters<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje05cElaG7bq6KCZs3sce3_pviO1C98Q4JBsugTJ1_FJbVfApgOVkN7voFc7hEcrrfBhls5P16hH9LIV7MZmjazb-yhrLLZN_1H8LpFuHTg8yuyyfIwwBTbnvGlIxcuzcMkAiPoZV7V0HioRQ9tUP_AEpXxX7Rxw4ESUDlG2iIbtOj6IHYuYyD6UtJ1fkO/s600/Scary%20Monsters.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje05cElaG7bq6KCZs3sce3_pviO1C98Q4JBsugTJ1_FJbVfApgOVkN7voFc7hEcrrfBhls5P16hH9LIV7MZmjazb-yhrLLZN_1H8LpFuHTg8yuyyfIwwBTbnvGlIxcuzcMkAiPoZV7V0HioRQ9tUP_AEpXxX7Rxw4ESUDlG2iIbtOj6IHYuYyD6UtJ1fkO/s320/Scary%20Monsters.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Aunque no forme parte de ella, <i>Scary Monsters</i> (1980) bien podría haber convertido en tetralogía la trilogía de Berlín que le antecede. Su mayor éxito no nace de un Bowie menos ambicioso o creativo, sino de uno igualmente experimental e indagador que completa un ciclo magistral y poliédrico tras el que la carrera del autor de <i>Hunky Dory</i> decaerá una temporada larga. No hay, pues, degradación artística alguna en busca de vender más discos, y si se vendieron no parece que fuera por seguir una táctica comercial al uso.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPsTjzQmgHUzPym9RLPG2U-NCpBgdU63DOhoH7hVtrSGa98LKD8WbNAmfdFa1an9Fx8uSwlGQ9T4D0L47DbUZdQ_orvtFpQf0GyS3ObR_tucB2KCK6yMXQdjwKIEt_ffvGprNPX3TLU56ZDpcfd1JgAaZv5L4jKFOQKbGjsef3Qs0eU7QZZwUatsZgAMsR/s600/Scary%20Monsters%20(contraportada).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPsTjzQmgHUzPym9RLPG2U-NCpBgdU63DOhoH7hVtrSGa98LKD8WbNAmfdFa1an9Fx8uSwlGQ9T4D0L47DbUZdQ_orvtFpQf0GyS3ObR_tucB2KCK6yMXQdjwKIEt_ffvGprNPX3TLU56ZDpcfd1JgAaZv5L4jKFOQKbGjsef3Qs0eU7QZZwUatsZgAMsR/s320/Scary%20Monsters%20(contraportada).jpg" width="320" /></a></div><span style="font-family: georgia;"></span><p></p><p><span style="font-family: georgia;"><i>It's No Game (Part 1)</i> impone desde un primer momento el asalto a la canción pop que Bowie lleva realizando desde <i>Low</i>, deviniendo crucial la guitarra de Robert Fripp para introducir gemidos disonantes que alteren la tranquilidad tonal, aunque no menos arriesgado sea cruzar la voz japonesa de Michi Irota con la inglesa y aquí agresiva del duque blanco. <i>Up The Hill Backwards</i> abre con el beat de Bo Diddley (como <i>Panic In Detroit</i> en <i>Aladdin Sane</i>) aunque rápidamente se desliza hacia terrenos de sofisticación pop y rítmica funk. Vuelven a brillar y a ser muy importantes las seis cuerdas de Fripp, que también lo son en <i>Scary Monsters (And Super Creeps)</i>, cuyo original rock de ropajes industriales y nerviosa percusión de Dennis Davis anticipa mucho de lo que se escuchará a lo largo de la década. La absoluta gloria pop de <i>Ashes To Ashes</i>, una canción inclasificable, se debe a su peculiar tratamiento de elementos del krautrock más electrónico y robótico, la música dance, la new wave e incluso operísticos para dar con una sonoridad única en la que son básicas las teclas de Roy Bitten y Andy Clark. El Bowie más funk (el de <i>Fame</i> o <i>Golden Years</i>) asoma en <i>Fashion</i> bañado por el post punk. <i>Teenage Wildlife</i> es muy similar a <i>Heroes</i>, casi podríamos decir que una notable revisión del tema. <i>Scream Like A Baby</i> y la versión del <i>Kingdom Come</i> de Tom Verlaine funcionan en un nivel parecido al de <i>Scary Monsters</i> (And Super Creeps), prefigurando espacios futuros, haciendo rock potente y adaptando el post punk al ethos de Bowie. Mantiene esa potencia de sonido ancho <i>Because You're Young</i>, cuyas motivaciones están hechas asimismo de funk y pop. Cierra el círculo una segunda parte de <i>It's No Game</i>, de mayor placidez y sin Fripp ni Irota a bordo. La despedida de este espléndido <i>Scary Monsters</i>, cuya altísima categoría no retomará David Bowie hasta su adiós discográfico (y físico) en 2016 mediante <i>Blackstar</i>.</span><br /></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-68848773185710560792024-02-29T00:39:00.000+01:002024-02-29T00:39:11.671+01:00Hallelujah I Love Her So<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQF3PK9cn7xgyi-xTRK6PQDiWd-dIJER6YtZlfWJ57mqNO64vWt_yj1aJ30763tQQ_u0rzSkkOAdbIXBGUoJ0QqGqEb1GtxOybeQ55nBF1rd9K2LzFuqDXCtVTVpstiu9Z-8HGoim0QI_cA0o6FmmRCP_2BFj1zHC0IRZcfJWTFmBQ-TFPXKa6M3o7JxXL/s600/Hallelujah%20I%20Love%20Her%20So.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQF3PK9cn7xgyi-xTRK6PQDiWd-dIJER6YtZlfWJ57mqNO64vWt_yj1aJ30763tQQ_u0rzSkkOAdbIXBGUoJ0QqGqEb1GtxOybeQ55nBF1rd9K2LzFuqDXCtVTVpstiu9Z-8HGoim0QI_cA0o6FmmRCP_2BFj1zHC0IRZcfJWTFmBQ-TFPXKa6M3o7JxXL/s320/Hallelujah%20I%20Love%20Her%20So.jpg" width="320" /></a></div><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Solo dos minutos y medio necesita Ray Charles para tocar el cielo. Los que dura este clásico imbatible de 1956 que aúna el jazz orquestal, el R&B y el góspel e intuye el soul en una composición perfecta. <i>Hallelujah I Love Her So</i> es una de esas canciones a las que el tiempo no desgasta y sigue extendiendo su felicidad allí donde es escuchada. La misma duración es la de la cara B del single de Atlantic, un <i>What Would I Do Without You</i> sentimental y también exquisito que se beneficia igualmente del solo breve y exacto del saxo tenor de Don Wilkerson. Dos temas sin par del genio invidente de Albany, ajenos al rock and roll y al hard bop que, cada cual con sus características, se extendían entonces. Lo de Ray Charles, por supuesto, era único.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDSY3wVl1HQVsFJHkFUjInIJLIAcH1pJ4muIPUkxRX-Ju0ywYe9wxR8uokRLT6LbYxgYWDWFVuj7nPb0hs5-YyZXrW4eJjETvpFrOZKlR_UNHgYoDOXI7IbfsBN-hmA8WNu_qzg9IR4VZNI3fWMO0Ug3HrivMTHLlxqsKp-D8neGaxd9Xux3F3E19Gxmov/s600/Hallelujah%20I%20Love%20Her%20So%20(B).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDSY3wVl1HQVsFJHkFUjInIJLIAcH1pJ4muIPUkxRX-Ju0ywYe9wxR8uokRLT6LbYxgYWDWFVuj7nPb0hs5-YyZXrW4eJjETvpFrOZKlR_UNHgYoDOXI7IbfsBN-hmA8WNu_qzg9IR4VZNI3fWMO0Ug3HrivMTHLlxqsKp-D8neGaxd9Xux3F3E19Gxmov/s320/Hallelujah%20I%20Love%20Her%20So%20(B).jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia;"><br /> </span><br /><p></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-77296546098789822092024-02-26T00:08:00.002+01:002024-02-26T00:13:19.880+01:00Coltrane Plays The Blues<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2Gnls7kT5cxlqMHLFscZwI2sLpDmNOnWlQXd1dK8mNKhCD0lzuhgOhGCiMyCtOxX3IJtDTjm1TAU72gkX_aLA5eDYybSyMdQf-jWctwCpq2sXI-ntUwwmTzDB9ot3Za7DgtlPmN3OqeMUMp6MGo1Wg0hUSIS-4xrgt6xM9_TdwA9plJB4toQ_uxZ0vkam/s425/Coltrane%20Plays%20The%20Blues.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="425" data-original-width="425" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2Gnls7kT5cxlqMHLFscZwI2sLpDmNOnWlQXd1dK8mNKhCD0lzuhgOhGCiMyCtOxX3IJtDTjm1TAU72gkX_aLA5eDYybSyMdQf-jWctwCpq2sXI-ntUwwmTzDB9ot3Za7DgtlPmN3OqeMUMp6MGo1Wg0hUSIS-4xrgt6xM9_TdwA9plJB4toQ_uxZ0vkam/s320/Coltrane%20Plays%20The%20Blues.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Puede uno detenerse en <i>Blue Train</i>, <i>Crescent</i> y <i>Expression</i>. O en <i>Giant Steps</i>, <i>John Coltrane And Johnny Hartman </i>y <i>A Love Supreme</i>. Por ejemplo. Más o menos obvias, decisivas o trascendentes, más o menos accesibles o extremistas, las grabaciones de John Coltrane transmiten una sensación de plenitud que es difícil encontrar en otro artista, no solo músico. Salido de las sesiones en las que el mítico saxofonista registra el sobresaliente <i>My Favorite Things</i>, en concreto del día 24 de octubre de 1960, <i>Coltrane Plays The Blues</i> asume dicha sensación ampliamente, aun siendo un elepé cuyo material Atlantic publica en 1962 sin intervención de su autor y cuando éste ya ha fichado por Impulse!, sello que ya no abandonará hasta su muerte.</span></p><p><span style="font-family: georgia;">Fuera o no concebido como un álbum por John Coltrane y su cuarteto (Elvin Jones, Steve Davis y McCoy Tyner), los seis temas que contiene funcionan como una totalidad de jazz modal edificado a partir del blues (los tres primeros llevan dicho vocablo en su título) y ejecutado con una calidad aplastante. Trane ha perfeccionado su fraseo en la segunda mitad de los años cincuenta formando parte del extraordinario grupo de Miles Davis y continuará en la siguiente década con su particular tour de force que le llevará a cotas insospechadas de belleza radical y dolorosa. Sin ser tan inflamable, sin embargo, la que aquí ofrece creciendo sobre el blues de sus ancestros es asimismo espléndida, un chorro de notas expelidas por sus saxo tenor y soprano que son transición hacia logros futuros, sí, pero igualmente hallazgos presentes.</span></p><p><span style="font-family: georgia;">El espectáculo no tendría el mismo interés, por supuesto, sin las teclas de Tyner, las cuerdas de Davis y las baquetas de Jones (compositor, además, del <i>Blues To Elvin</i> que encabeza el trabajo), compañía envidiable por trabajar en la línea marcada por el líder sin dejar de ejercer las capacidades que hacen único a cada uno; es decir, por saber adaptarse al discurso de Coltrane sin que ello signifique sometimiento o renuncia al desarrollo libre e individual de sus habilidades. Como en el caso del mencionado Davis, esa habilidad para delegar sabiendo que los intérpretes van a hacer crecer tu idea englobándose en ella es parte del secreto del creador de este <i>Coltrane Plays The Blues</i> a añadir a las decenas de discos de un hombre hecho de sonidos intransferibles.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDwpqN6mjj_eu48sO3nyzzrgDEMzZ_eO31i7lmwTCQx0t6uqJxyhbw8Lfo0KYburU1inQE3CWOWXXCjfS4pi5YTqSNi30x0qTZWzZ9bW9OtZEe2g4KOiH1OBlxkh0kJeMLfleD1q-obN40F2w8OdLirpC4mkm0tNEgO8hyphenhyphen-6-zWuO0POJ3azp1IqG_17UI/s1042/John%20Coltrane%20en%20el%20Guggenheim,1960.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="791" data-original-width="1042" height="304" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDwpqN6mjj_eu48sO3nyzzrgDEMzZ_eO31i7lmwTCQx0t6uqJxyhbw8Lfo0KYburU1inQE3CWOWXXCjfS4pi5YTqSNi30x0qTZWzZ9bW9OtZEe2g4KOiH1OBlxkh0kJeMLfleD1q-obN40F2w8OdLirpC4mkm0tNEgO8hyphenhyphen-6-zWuO0POJ3azp1IqG_17UI/w400-h304/John%20Coltrane%20en%20el%20Guggenheim,1960.jpg" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: georgia;"><br /> </span><br /><p></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-52943193782248882042024-02-22T08:19:00.000+01:002024-02-22T08:19:25.079+01:00The Bridge<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiDCLsaUzDoSLLNmyiUe6yjeZ9Q8EovtQqPMR227hkHTMD5_IitjH3s-KqyLZ88alTv9zczODttirgNqz-YBQfhzroUzHDTfAI8i9Sd4xtm4_IaR_jG4QSY0QztmnPsNcYPjIiYnjjLYI4ezwT210Kv5um5drNnbGv_o8HJZZ4rb8WTReSbibFiNBSpddc/s600/The%20Bridge.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiDCLsaUzDoSLLNmyiUe6yjeZ9Q8EovtQqPMR227hkHTMD5_IitjH3s-KqyLZ88alTv9zczODttirgNqz-YBQfhzroUzHDTfAI8i9Sd4xtm4_IaR_jG4QSY0QztmnPsNcYPjIiYnjjLYI4ezwT210Kv5um5drNnbGv_o8HJZZ4rb8WTReSbibFiNBSpddc/s320/The%20Bridge.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Entre 1959 y 1962 se produce el primer hiato discográfico en la carrera de Sonny Rollins (el segundo será de seis años, iniciado tras el magistral <i>East Broadway Run Down</i>), del que sale con este espléndido <i>The Bridge</i>, materializado en enero y febrero de 1962 y publicado por RCA. A la novedad del sello hay que sumar la de la formación, pues acompañan al saxofonista Jim Hall (guitarra), Bob Cranshaw (contrabajo) y Ben Riley (batería).</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiG0VD9A6DRi4QGh4NvdSoPfPigHVG1HweqMThK13AV1IFGyCX_26x7CaeFeaxR_CV5Dkx6D6mhNGSofkSNsQj9MG1flSnISgK0ylnsxPIEFD0wPOWWLYfLXaIeMaDIoqz2tQ2I67LV3HDoq6uE8ti5NeKpF80lNC5Iqlt5KsY6ymM3MVWca5fAW5B_vwJS/s599/The%20Bridge%20(2).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="593" data-original-width="599" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiG0VD9A6DRi4QGh4NvdSoPfPigHVG1HweqMThK13AV1IFGyCX_26x7CaeFeaxR_CV5Dkx6D6mhNGSofkSNsQj9MG1flSnISgK0ylnsxPIEFD0wPOWWLYfLXaIeMaDIoqz2tQ2I67LV3HDoq6uE8ti5NeKpF80lNC5Iqlt5KsY6ymM3MVWca5fAW5B_vwJS/s320/The%20Bridge%20(2).jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;"><i>Without A Song</i> abre el elepé entre el hard bop, el cool jazz, la bossa nova y el calipso tratados con excelencia por el cuarteto. El saxo tenor de Rollins no ha perdido un ápice de persuasión, o cómo sonar poderoso en un ambiente relajado, mientras que Cranshaw y Hall suman solos frescos, felices y plenos de feeling. La balada <i>Where Are You?</i> sirve de vehículo para que Rollins y Hall nos embelesen —alternándose— con sus notas románticas. La primera cara concluye con un original del autor de <i>Way Out West</i> que acelera y enardece el plástico, hard bop efusivo que se presenta bajo el nombre de <i>John S</i>. y donde la improvisación de Rollins se impone claramente.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYiRJVR_qXQ9El_FOEcic4NXf0-fs8syjlf-q7dxBBU40vkgxKZkIO1-d0raRLe8ETtTgSpbuyFH6QIIWoUvyV0cHHhQO-J3Mok0u2YQmVeypC5tUl_Up55ZLtowtQnzYqff8jic4UXdKTt3PsT9NUrNEryULHxLkbPJxxIsfYFWsfAA_Vl4nytx7Qmnq-/s500/The%20Bridge%20(3).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYiRJVR_qXQ9El_FOEcic4NXf0-fs8syjlf-q7dxBBU40vkgxKZkIO1-d0raRLe8ETtTgSpbuyFH6QIIWoUvyV0cHHhQO-J3Mok0u2YQmVeypC5tUl_Up55ZLtowtQnzYqff8jic4UXdKTt3PsT9NUrNEryULHxLkbPJxxIsfYFWsfAA_Vl4nytx7Qmnq-/s320/The%20Bridge%20(3).jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">La segunda cara mantiene la línea del final de la anterior, pues el corte que da título a <i>The Bridge</i> está también compuesto por Sonny Rollins, se mueve en coordenadas estilísticas muy similares y lo comanda el explosivo instrumento de nuestro hombre, si bien la intervención de Hall y sus seis cuerdas es muy creativa y las de la base rítmica rezuman frenesí. La lectura del <i>God Bless The Child</i> de Billie Holiday es una magnífica balada en la que el grupo roza el cielo y nada está fuera de lugar, incluso aunque Ben Riley deje sus baquetas a Harry T. Saunders. No cesan de agradarnos Rollins, Hall, Cranshaw y un Riley que vuelve a sentarse en su banqueta en la adaptación del <i>You Do Something To Me</i> de Cole Porter, tema sentimental asimismo —pero de tempo más rápido que el anterior— que significa el adiós de un trabajo con el que su creador retomaba su obra con la categoría de él esperada. Es decir, como si no hubieran pasado tres años. Decíamos ayer…</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUAPEJbKh5WTcqmnFnVRk4JGM3s_oXdLEsdRrrp4owZfgWJysuTdnNAGKkZ3SpEXPugEzPxyUBc9cXibR1B8MmERyZIChLeKm0gJZjGwjDz9GYk7qB-2qNlRYFn42sQWIUbljfUb3i6fF-9-hFKgtHojY21qf4hASd49cqLpqvtpBIXncL_7Vd03F3I5xU/s600/The%20Bridge%20(4).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="598" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUAPEJbKh5WTcqmnFnVRk4JGM3s_oXdLEsdRrrp4owZfgWJysuTdnNAGKkZ3SpEXPugEzPxyUBc9cXibR1B8MmERyZIChLeKm0gJZjGwjDz9GYk7qB-2qNlRYFn42sQWIUbljfUb3i6fF-9-hFKgtHojY21qf4hASd49cqLpqvtpBIXncL_7Vd03F3I5xU/s320/The%20Bridge%20(4).jpg" width="319" /></a></span></div><span style="font-family: georgia;"><br /> </span><br /><p></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com7tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-79813532080704253942024-02-19T08:13:00.000+01:002024-02-19T08:13:20.969+01:00Greendale<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtkPPYdpulQQi5ljR9NaYPwqA4o5zEOitFPB1PPU7J8mhlRlmHTUgTHU-RR2xSMcp64_tGPMlNfrTiqopT764Wqgb3Usna67DTPbCec65jrQMO3-mLwqLB4mngQOfvqAsZ8arSPu7CpFuaH3PeCbn9oP6UyYyXvsODfF5ubT_0qZK8S9qMMq48Kqk87-EM/s600/Greendale.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="597" data-original-width="600" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtkPPYdpulQQi5ljR9NaYPwqA4o5zEOitFPB1PPU7J8mhlRlmHTUgTHU-RR2xSMcp64_tGPMlNfrTiqopT764Wqgb3Usna67DTPbCec65jrQMO3-mLwqLB4mngQOfvqAsZ8arSPu7CpFuaH3PeCbn9oP6UyYyXvsODfF5ubT_0qZK8S9qMMq48Kqk87-EM/s320/Greendale.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Publicado en 2003, <i>Greendale</i> significaba el retorno de la alianza de Neil Young y Crazy Horse en estudio, abandonada siete años atrás tras el muy notable <i>Broken Arrow</i>. Entremedias había habido álbumes en vivo (con y sin la banda) y discos de folk y soul; tocaba, pues, hacer retumbar el planeta con la crudeza eléctrica y visceral de los autores de <i>Ragged Glory</i> y un trabajo conceptual y político de casi ochenta minutos en el que está ausente la guitarra de Poncho Sampedro.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHms_sQ0VUr1Dr66OrHfNVHgRtlXWTJpk3zPES-y7cu7mpO23aoWzfe3muLaWwtnwYg6-Dy5OZR0650uW4r_JUxKDl4eTXpBgFd_akZr_OgizF5HmCoORZevbsDAkYMXaDmrxgQ-igOQqSq17oqtKpJVr6rP_PUEaod3gxWOLDgHxr6mPj3ZWjiuWA8nVL/s600/Greendale%20(imagen%20interior).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="599" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHms_sQ0VUr1Dr66OrHfNVHgRtlXWTJpk3zPES-y7cu7mpO23aoWzfe3muLaWwtnwYg6-Dy5OZR0650uW4r_JUxKDl4eTXpBgFd_akZr_OgizF5HmCoORZevbsDAkYMXaDmrxgQ-igOQqSq17oqtKpJVr6rP_PUEaod3gxWOLDgHxr6mPj3ZWjiuWA8nVL/s320/Greendale%20(imagen%20interior).jpg" width="319" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Funcionando como un trío, Young, Ralph Molina y Billy Talbot despachan diez canciones sobre la familia Green de Greendale —gentes y localidad creadas para la ocasión—, cada una de ellas acompañadas de un texto y un dibujo de James Mazzeo en el libreto marrón que acompaña al CD. El disco no está a la altura de las mejores grabaciones del canadiense con Crazy Horse, pero tiene momentos muy destacables que hacen imposible desdeñarlo. El rhythm and blues y el rock and roll ralentizados de <i>Double E</i>, por ejemplo; la extensa exploración de <i>Carmichael</i>, asimismo, en la que Young no canta hasta bien entrado el tema, habiéndose dedicado antes a unos punteos atmosféricos que no paran de volver durante todo el recorrido sobre el clásico colchón del bajo de Talbot y la batería de Molina; la bellísima balada <i>Bandit</i>, por supuesto, cuyo estribillo me atravesó la primera vez que lo escuché y nunca ha dejado de hacerlo: "Algún día encontrarás / todo lo que estás buscando"; los todavía más largos viajes indagatorios (trece y doce minutos respectivamente), claro que sí, de <i>Grandpa's Interview</i> y <i>Sun Green</i>; o, despidiendo la función, la emoción desatada en defensa del planeta y maneras rocanroleras de <i>Be The Rain</i>, </span><span style="font-family: georgia;">un nuevo <i>Rockin' In The Free World</i> salvando las distancias y disminuyendo la potencia.</span><span style="font-family: georgia;"> "Tenemos un trabajo que hacer / tenemos que salvar a la Madre Tierra", canta sin ambages y convenciéndonos un Young ecologista y esperanzado.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioZ8qnz8sMl3ogMOcMqd_doJUDeIXBY15IurmQBu-XLBcvmHQ9Us-eWZnkibl4xV1C1wNE7M5p-lFLWCp088MiOdhYikgir5fKducOG89TlWoURtHWeBt7P7W4UUi5jsbFTYqflIvKb3CRLLMCETFjxCwg6sdoevRh6C1REJ-ON-40ozD2SlquwuLLsiJ8/s600/Greendale%20(imagen%20interior,%202).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="574" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioZ8qnz8sMl3ogMOcMqd_doJUDeIXBY15IurmQBu-XLBcvmHQ9Us-eWZnkibl4xV1C1wNE7M5p-lFLWCp088MiOdhYikgir5fKducOG89TlWoURtHWeBt7P7W4UUi5jsbFTYqflIvKb3CRLLMCETFjxCwg6sdoevRh6C1REJ-ON-40ozD2SlquwuLLsiJ8/s320/Greendale%20(imagen%20interior,%202).jpg" width="306" /></a></div><span style="font-family: georgia;"></span><p></p><p><span style="font-family: georgia;">De <i>Greendale</i> saldrán además un largometraje y un cómic, el primero dirigido por el propio Neil Young y el segundo, viendo la luz años después, a manos de Joshua Dysart y Cliff Chiang. Pero lo que hoy tocaba era recordar la versión musical de la historia, que yo aquí he querido recomendar. Reflexión, ideología y reivindicación política y social revestidas de sonidos distorsionados del maestro y sus compañeros.</span></p><p><span style="font-family: georgia;">NOTA: Este texto fue publicado la semana pasada <a href="http://www.enlaplayadeneil.net/">en el blog <i>Neil Young noticias</i> (o <i>La playa de Neil</i>)</a> con motivo de su vigésimo aniversario.</span><br /></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com7tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-3484315910568860152024-02-15T08:50:00.000+01:002024-02-15T08:50:21.590+01:00Porca miseria<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0hyQ_xt7JysKzLoC468KrBA7Y934V-P5AqAV7CkJ_UfZ17rPEMbFs9kAkohl3d1PqjJZwOucf2HPBhHBUmuFsXmuCEU_8EoNWPhjlEFzH5PjKichmzDXd_4smJOJUyG__TtKFDhXy-6zMiRRiS2OV5MyvKwcndioiVPsbeenzttaq8V-gt7O4n3YIGZCi/s600/Porca%20miseria.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0hyQ_xt7JysKzLoC468KrBA7Y934V-P5AqAV7CkJ_UfZ17rPEMbFs9kAkohl3d1PqjJZwOucf2HPBhHBUmuFsXmuCEU_8EoNWPhjlEFzH5PjKichmzDXd_4smJOJUyG__TtKFDhXy-6zMiRRiS2OV5MyvKwcndioiVPsbeenzttaq8V-gt7O4n3YIGZCi/s320/Porca%20miseria.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Para bien y para mal, <i>Porca miseria</i>, el tercer plástico de los Bo Derek's de 2023, es un excelente disco de rock and roll, "old school r'n'r", como ellos mismos afirman desde su gestación. No se esconde el trío gallego, ni da gato por liebre. Eso sí, sabiendo eso y sabiendo que poco o nada queda por inventar en los sonidos que crearon Chuck Berry, Bo Diddley, Elvis Presley, Little Richard y demás, aceptando que no hay novedad en la propuesta, si te gusta música del diablo —un diablo que ya no asusta a nadie— seguro que disfrutas de lo lindo de esta colección. Las canciones, como vamos a ver, ofrecen variedad, están muy bien construidas por el también cantante y guitarrista Óscar Avendaño, son interpretadas con feeling y elegancia por éste y la base rítmica de Jorge Lorre (bajo) y Rufus "El Guarro" (batería), gozan de una producción soberbia de Martín Guevara, el miembro de Capsula, y reciben matices puntuales perfectos de los invitados a la función.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm5xbPBT8glKJ-N0LnLpGJnjAW8gyv_YFa5bZAiptipD01nBgHji1c9OiNQm4stmLbf5Gn3f0wjrhSqVEfQ532W2TytS4nHub7rgR2d6H8TUKIuxjukkEaOX7CKKkYzmpjVOD57B7wcOTFuz3Nhco_6z5EF49lh20dMLdOUjHIdbFyOC5gbJ-XKHkrHOmL/s960/The%20Bo%20Derek's.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="538" data-original-width="960" height="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm5xbPBT8glKJ-N0LnLpGJnjAW8gyv_YFa5bZAiptipD01nBgHji1c9OiNQm4stmLbf5Gn3f0wjrhSqVEfQ532W2TytS4nHub7rgR2d6H8TUKIuxjukkEaOX7CKKkYzmpjVOD57B7wcOTFuz3Nhco_6z5EF49lh20dMLdOUjHIdbFyOC5gbJ-XKHkrHOmL/w400-h224/The%20Bo%20Derek's.jpg" width="400" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;"><i>Atrapado en el garage</i> inicia ardiente el viaje y sumando a todo lo dicho la deliciosa ironía de las letras de Avendaño. El purista u ortodoxo del garage rock al que describe, lo que puede decirse de cualquier necio que se agarra a cualquier subgénero o género, con frases descacharrantes como "Eres hijo de Sky Saxon, hijo de Music Machine" o "Sobre grupos sixties del Perú, no hay nadie que sepa más que tú", es despachado con sentido del humor pero sin desprecio o sarcasmo. Alimentada de soul y pop, cruce plausible entre Sam Cooke y Katrina and The Waves, <i>Sal los jueves</i> está impregnada de melancolía y aumenta su valor al gozar de una sección de vientos triple y fantástica. Alusión directa a la pregunta que los Dictators se hacían a finales del siglo pasado en forma de himno colosal, la ironía vuelve en <i>Los que iban a salvar el rocanrol</i>, tema tan explosivo como canónico al que da color honky tonk el teclista de los Diamond Dogs, para hablar de esos que crecieron y se olvidaron de la música, de quienes confundieron madurez con mediocridad. En <i>La última estrella del rock</i> puede haber también algo de acidez, pero la mirada sobre el protagonista de la composición tiene asimismo la admiración por quien es fiel a sus convicciones aunque ya no sean mayoritarias como sí lo fueron en tiempos pretéritos. <i>Cool Cool Baby</i> acude a la influencia de Dr. Feelgood (grupo a quien se nombra) con la intención de reírse sin hacer sangre de los ambientes culturetas en los que se lee a "Faulkner y Thomas Mann" y se debate "sobre Virginia Wolf". Pone fin a la cara A una versión brutal del <i>Natbush City Limits</i> de Ike & Tina Turner en la que Guevara aporta su guitarra.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgD4KXzZOysfxiMGj-WJ7QM38zbAttnnS3G4Sqw0FEweNtuNjhApbU0Imn1j3pJT5ubCJZh5iibcJIipMrmkT0toxPcxamrNfE1k7L4BEBtG5vnxb_omUIGZsV1LboDtO-U1sffrvoBGyF0XUrAe1Y2wY5zXaE4jV96-tWyv_9ajNVuLIwNxL9Eobk2Pq_j/s2000/The%20Bo%20Derek's%20(El%20Guarro).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1334" data-original-width="2000" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgD4KXzZOysfxiMGj-WJ7QM38zbAttnnS3G4Sqw0FEweNtuNjhApbU0Imn1j3pJT5ubCJZh5iibcJIipMrmkT0toxPcxamrNfE1k7L4BEBtG5vnxb_omUIGZsV1LboDtO-U1sffrvoBGyF0XUrAe1Y2wY5zXaE4jV96-tWyv_9ajNVuLIwNxL9Eobk2Pq_j/w400-h266/The%20Bo%20Derek's%20(El%20Guarro).jpg" width="400" /></a></span></div></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">La segunda mitad empieza a ritmo de funk rock con <i>Ese no soy yo</i>, que cuenta con el Hammond de David "Mr. D." Vázquez. El blues rock y el hard rock modelan la tremenda <i>Motel perdición</i> en contraste con el rockabilly lleno de swing (ese saxo de Glen Gibb) de <i>Viéndolas venir</i>. Bruce Lee y Jim Dinamita son citados en <i>Hazte un lado</i>, nombres del pasado para un excitante rock and roll a lo Tequila. El demonio o <i>Belcebú</i> hace su aparición siguiendo patrones de R&B y garage rock sesenteros, allí donde se hallaba atrapado el patético personaje de la primera canción. <i>Bye Bye Blues</i> huele a los primeros AC/DC escorados hacia, sí, lo dice el título, el blues. Blues que se hace explícito y tradicional en <i>El Yang-Tse en llamas</i>, armónica incluida, como colofón a una <i>Porca miseria</i> a la que nada sobra, pues todo su material es gozoso. Pocos son capaces de mantener una tradición con semejante dignidad y credibilidad.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-IxuClDrMtnG8kaTQ77GuDxQVSyrUFmKQnKkMsvCKVeYBDXps4-D-WksM90damNOfynIpY6PPKB15lTYW2hymIz_tYJLX7YDW9ikTOXLQ91XM1pl3XXt9QrHyDcpDjszlvUDb14ZZhZGXnhSXQkujVSzgKYTuSpDC-YmgU3TKnbEzarx13OaB_RLia0SO/s1024/The%20Bo%20Derek's%20(Avenda%C3%B1o).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="768" data-original-width="1024" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-IxuClDrMtnG8kaTQ77GuDxQVSyrUFmKQnKkMsvCKVeYBDXps4-D-WksM90damNOfynIpY6PPKB15lTYW2hymIz_tYJLX7YDW9ikTOXLQ91XM1pl3XXt9QrHyDcpDjszlvUDb14ZZhZGXnhSXQkujVSzgKYTuSpDC-YmgU3TKnbEzarx13OaB_RLia0SO/w400-h300/The%20Bo%20Derek's%20(Avenda%C3%B1o).jpg" width="400" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia;"><br /></span><p></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-7159298127926444092024-02-12T08:02:00.000+01:002024-02-12T08:02:19.544+01:00Greatest Hits<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCt9h0TSij21Sm_G_-jFfqpmGS9Ee_vfFcJRI2e1ayZtpt7y_e9CmF-YrmagJVv_-AuHzWUI3Srbh1MzYNAdLGhVpZHihuAi9DB2KObbXOlN8BpQWJ_FAiixESZxe99inLiSnVLYJIfJxUssiMGfyzKCWvECaL3XNzCQ9CBlhSObrCUkGKPomwBpA5EWkg/s600/Greatest%20Hits.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCt9h0TSij21Sm_G_-jFfqpmGS9Ee_vfFcJRI2e1ayZtpt7y_e9CmF-YrmagJVv_-AuHzWUI3Srbh1MzYNAdLGhVpZHihuAi9DB2KObbXOlN8BpQWJ_FAiixESZxe99inLiSnVLYJIfJxUssiMGfyzKCWvECaL3XNzCQ9CBlhSObrCUkGKPomwBpA5EWkg/s320/Greatest%20Hits.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Si hay casos en que los recopilatorios son necesarios, en el de Tom Petty y los Heartbreakers lo es más. No veo la obra del roquero rubio y su banda al nivel de la de Bruce Springsteen y Tom Waits, por ejemplo, me parece una exageración situar sus mejores trabajos a la altura de los de los autores de <i>Born To Run</i>, <i>The River</i> (el primero), <i>Small Change</i> o <i>Swordfistrombones</i> (el segundo). Pero al juntar sus mejores singles desde 1976 hasta 1991 y añadir dos canciones de 1993 hasta un total de dieciocho o diecinueve, según ediciones, sí que damos con una creación, aun diacrónica y ad hoc como cualquier compilación, poderosa y excelente en la que el material menor se hace a un lado para mostrarnos las cualidades más destacables del grupo.</span></p><p><span style="font-family: georgia;">Abriendo con una apuesta ganadora de la talla de <i>American Girl</i>, todo un clásico, las cosas se vuelven más fáciles. Dos temas más de su debut homónimo, cuatro de <i>Damn The Torpedoes</i> y tres de <i>Full Moon Fever</i> hacen de los tres elepés los más representados. <i>Breakdown</i>, <i>Refugee</i>, <i>Don't Do Me Like That</i>, <i>I Won't Back Down</i> o <i>Free Fallin'</i> son algunas de las composiciones más brillantes de Petty (solo o ayudado por Mike Campbell o Jeff Lyne), bellos ejemplares de rock con alma pop y folk sacados de los setenta y de finales de los ochenta.</span></p><p><span style="font-family: georgia;">En el doble elepé primorosamente presentado del que yo hablo hay nueve cortes más, siete extraídos de otros álbumes y los dos nuevos a los que hacía mención, ambos muy sabrosos, <i>Mary Jane's Last Dance</i> y la versión del <i>Something In The Air</i> de Thunderclap Newman. Aunque muchos de los fans de Tom Petty prefieran el posterior <i>Wildflowers</i> o alguno de los trabajos nombrados, yo me quedo sin duda con esta reunión de sencillos para ensalzar sus méritos y los de sus Heartbreakers.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhC-Lhc98w2EC4QwqZoS1py6DxkYo2jUTQQLMuGI1WQB7KM1Lbw-u_89VBsqtYkJqtbhloLgIaMTlR3cfGFbQwaqjXXXXSoYH-rzoOSQQRi9OtrVPdZwH2crvRfGQCN1rwfv1DbYzbjEcHbnJenHejQ4ibetfnd9seGIf5kHxkH7lLkm_Kf4NhBNG46hxmx/s600/Greatest%20Hits%20(contraportada).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhC-Lhc98w2EC4QwqZoS1py6DxkYo2jUTQQLMuGI1WQB7KM1Lbw-u_89VBsqtYkJqtbhloLgIaMTlR3cfGFbQwaqjXXXXSoYH-rzoOSQQRi9OtrVPdZwH2crvRfGQCN1rwfv1DbYzbjEcHbnJenHejQ4ibetfnd9seGIf5kHxkH7lLkm_Kf4NhBNG46hxmx/s320/Greatest%20Hits%20(contraportada).jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia;"><br /></span><p></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com28tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-47732104536252857542024-02-08T08:32:00.001+01:002024-02-08T09:33:40.499+01:00Año santo<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieqxcaghc7Hpga7t0Ppd7-yfWYesFhZfMtwxmdEXvC1UyogyBnKTQOG8lYl_WKzq7gdvn3zpuB0B8zegtXaGK5XW_0BEwkhyphenhyphenhg-nRhXX6-CXS1GaoxGe5MgLxOjKqBB3ZvkGmbqQB0oc_SrDVRi-7-s7oLjOtH2f9gFy9xudFPr3EtCjwxSTHZ1_-GGrAF/s600/A%C3%B1o%20santo.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="528" data-original-width="600" height="282" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieqxcaghc7Hpga7t0Ppd7-yfWYesFhZfMtwxmdEXvC1UyogyBnKTQOG8lYl_WKzq7gdvn3zpuB0B8zegtXaGK5XW_0BEwkhyphenhyphenhg-nRhXX6-CXS1GaoxGe5MgLxOjKqBB3ZvkGmbqQB0oc_SrDVRi-7-s7oLjOtH2f9gFy9xudFPr3EtCjwxSTHZ1_-GGrAF/s320/A%C3%B1o%20santo.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">La contundencia y la calidad del debut de Triángulo de Amor Bizarro no desaparecen en el segundo disco* (<i>Año santo</i>, 2010) del grupo galllego. Pop y noise a lo Jesus And Mary Chain se encargan de aclararlo en <i>De la monarquía a la criptocracia</i>, título que a su vez nos recuerda su amor por las denominaciones enrevesadas para nombrar sus composiciones. El ruido y la potencia punk aumentan en <i>Amigos del género humano</i> y, todavía más, en <i>La malicia de las especies protegidas</i>, donde la banda practica un incendiario hardcore de regusto indie. <i>El radar al servicio de los magos</i> no cede en intensidad pero se llena de matices kraut (podríamos hablar de high energy kraut). <i>Super Castlevania IV</i> retoma las sensaciones de <i>De la monarquía a la criptocracia</i> y <i>Muchos blancos en todos los mapas</i> hace converger post punk y noise en un tema retorcido y áspero. Pisa el acelerador <i>El culto al cargo, o cómo hacer llegar el objeto maravilloso</i>, más punk de adornos kraut para la máquina; se enreda en las sacudidas electrónicas con origen en Suicide y el noise rock de Sonic Youth <i>El baile de los caídos</i> y despide la media hora escasa de <i>Año santo</i> la canción homónima, noise y kraut hipnóticos que casan a la perfección con la beligerancia refulgente de los ocho cortes precedentes. Los de un trabajo espléndido de quien sabe muy bien lo que quiere y lo que no.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1y8yEDHzG_1GK0dtVxZtqm-_3esWqowEfXqAyLg0ShT-WYOMg602Uy9POKxoJPsM7N9yoScwTaLc3StnbLjNwPmcV0zsrsbndH18Akj7MW19sruXoTutD24pN7i0A5B_yHs4fjYEXxlda9kiKWBymHKgwz2Vl1fJj7oboa4em8QbfwI6g1jCb2oq1dEbR/s599/A%C3%B1o%20santo%20(contraportada).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="467" data-original-width="599" height="311" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1y8yEDHzG_1GK0dtVxZtqm-_3esWqowEfXqAyLg0ShT-WYOMg602Uy9POKxoJPsM7N9yoScwTaLc3StnbLjNwPmcV0zsrsbndH18Akj7MW19sruXoTutD24pN7i0A5B_yHs4fjYEXxlda9kiKWBymHKgwz2Vl1fJj7oboa4em8QbfwI6g1jCb2oq1dEbR/w400-h311/A%C3%B1o%20santo%20(contraportada).jpg" width="400" /></a></div><span style="font-family: georgia;"></span><p></p><p><span style="font-family: georgia;">*<i>El hombre del siglo V</i>, que recoge las maquetas de las canciones que acabarán en <i>Triángulo de Amor Bizarro</i> y algún tema inédito, queda entre ambos.</span><br /></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-37440073664403913252024-02-05T08:12:00.000+01:002024-02-05T08:12:18.018+01:0020/20<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdlbqBGHWOPlvBbrTD6RuDEit_yBYssk23-YV_0KmZTkHBeaOJ3QVUI1LRf6iclqC3KSelUBx8uq9X9iORWZ6QB6jLNO0TebjRH0-9AK-Xm_bbXiMnEqyco8HeuzgIUzFkVxxQNSy1IQChnqwlLViAUHc4fDSmvRojfKKh91FACZXDKAIdnw7Wz8yCXn2l/s475/20-20.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="475" data-original-width="450" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdlbqBGHWOPlvBbrTD6RuDEit_yBYssk23-YV_0KmZTkHBeaOJ3QVUI1LRf6iclqC3KSelUBx8uq9X9iORWZ6QB6jLNO0TebjRH0-9AK-Xm_bbXiMnEqyco8HeuzgIUzFkVxxQNSy1IQChnqwlLViAUHc4fDSmvRojfKKh91FACZXDKAIdnw7Wz8yCXn2l/s320/20-20.jpg" width="303" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">A pesar de contener dos canciones de 1966 pensadas para <i>Smile</i> (<i>Our Prayer</i> y <i>Cabinessence</i>) y dos grabadas en 1967 (<i>Bluebirds Over The Mountain</i> y <i>Time To Get Alone</i>), retocadas las cuatro en las sesiones de 1968 que completan el elepé, no da en ningún momento la sensación <i>20/20</i> (1969) de ser álbum deslavazado o menor de los Beach Boys, aunque quizá sí algo inferior a <i>Friends</i> y <i>Sunflower</i>, los álbumes que, respectivamente, le preceden y suceden. Eso sí, incluso con una presencia disminuida de Brian Wilson, el grupo californiano deja su sello único, el de quien juega en la liga de Beatles, Stones, Dylan, la Velvet o Chuck Berry (es decir, los nombres sagrados de la música rock) sin parecerse a ninguno de ellos o a otro cualquiera.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWOYBDJo3WFyysi9czp2HiKwr_UDhiC5ZFt8hZvqy1kRkhxi3ZfiLEvT-NbLWgEF6UH-ndlyrbuOqSVe3pz2QgBayG6ZKX0dFfbePjL6asp7WJt4m_e1FA5PztsQlyMuX38vZiLwmubIwzpC7eV-J3tqYE31mzkZu9y_fgbNOA-tTZKU1dkSPSGdg5urCD/s735/The%20Beach%20Boys%201969.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="735" height="272" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWOYBDJo3WFyysi9czp2HiKwr_UDhiC5ZFt8hZvqy1kRkhxi3ZfiLEvT-NbLWgEF6UH-ndlyrbuOqSVe3pz2QgBayG6ZKX0dFfbePjL6asp7WJt4m_e1FA5PztsQlyMuX38vZiLwmubIwzpC7eV-J3tqYE31mzkZu9y_fgbNOA-tTZKU1dkSPSGdg5urCD/w400-h272/The%20Beach%20Boys%201969.jpg" width="400" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">El delicioso pop and roll de <i>Do It Again</i> y Brian Wilson y Mick Love que inicia el trabajo nos retrotrae a las playas que alumbraron los primeros y míticos éxitos de la banda. Las versiones del <i>I Can Hear Music</i> de las Ronettes y el <i>Bluebirds Over The Mountains</i> de Ersel Hickey son prueba incontestable de la capacidad de los Beach Boys para adaptar temas ajenos a su pop gregoriano y convertirlos a su credo o idiosincrasia. Los dos tema siguientes, ambos de Dennis Wilson, muestran al baterista e incipiente y genial compositor moviéndose en terrenos totalmente diferentes, el del pop orquestado de factura personalísima (<i>Be With Me</i>) y el del rock and roll vibrante hasta la médula (<i>All I Want To Do</i>, compuesto junto con Stephen Kalinich). <i>The Nearest Faraway Place</i> es un corte instrumental de Bruce Johnston de escaso interés para mí. La lectura del <i>Cotton Fields</i> de Lead Belly, tercera y última, sirve para afirmar lo mismo que sobre la otras dos. <i>I Went To Sleep</i> es una preciosa miniatura de Brian y Carl Wilson en forma de nana que hubiera encajado en <i>Smiley Smile</i>. Similar estilísticamente, aunque escrita solo por Brian, <i>Time To Get Alone</i> es aún mejor y más larga. La tercera aportación de Dennis parte de una canción de Charles Manson para construir una excelente y llena de matices <i>Never Learn Not To Love</i>.</span></p><p><span style="font-family: georgia;">El recuerdo de lo que no fue, el recuerdo del abortado <i>Smile</i>, se adueña del final de <i>20/20</i>. El breve instrumental <i>Our Prayer</i> y el soberbio y enardecedor pop barroco de <i>Cabinessence</i> despiden de la mano de Brian Wilson y Van Dyke Parks un disco que cuesta calificar por debajo del sobresaliente y que nos sirve para afirmar por enésima ocasión que entre 1966 y 1973 —superando todo tipo de circunstancias, en especial las vinculadas al más destacado de sus miembros— los Beach Boys tuvieron iguales pero jamás superiores.<br /></span></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com9tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-78134841962175620042024-02-01T08:25:00.000+01:002024-02-01T08:25:06.611+01:00Either/Or<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjGgnSBqIq2NFfNOFTCJRpdxaKeD_5mxQYkgw8kkdnTvRDBXzMbSmT3q8QwdY-TgOt2s8KrXmPdkHmfCD49u_WVbEePF4atuigwzIQ_kV_l7rttBdS1X_YiKx40GXOrJYZmVnXY03R9Q7MPmO_CFTjP8ijypf1LNicYcqe1JHyzMh-0yJhPnXgA1wUz7pR/s600/Either%20Or.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="598" data-original-width="600" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjGgnSBqIq2NFfNOFTCJRpdxaKeD_5mxQYkgw8kkdnTvRDBXzMbSmT3q8QwdY-TgOt2s8KrXmPdkHmfCD49u_WVbEePF4atuigwzIQ_kV_l7rttBdS1X_YiKx40GXOrJYZmVnXY03R9Q7MPmO_CFTjP8ijypf1LNicYcqe1JHyzMh-0yJhPnXgA1wUz7pR/s320/Either%20Or.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">El pop folk depresivo y lo-fi de Elliott Smith sigue creciendo en su tercer disco de 1997. El camino a la destrucción que llegará en 2003 se establece en <i>Either/Or</i> nada más y nada menos que sobre la famosa dicotomía existencial de Kierkagaard y su primer libro, <i>O lo uno o lo otro</i>. Cual recluso de la tristeza, Smith compone doce canciones en las que toca todos los instrumentos (lo habitual en él) y desarrolla sus influencias de Big Star, Beatles, Kinks y otras aunque su voz sea ya propia. Tres de ellas —<i>Between The Bars</i>, <i>Angeles</i> y <i>Say Yes</i>— serán elegidas por Gus Van Sant para la oscarizada <i>El indomable Will Hunting</i>, pues el director sentía mucho aprecio por el álbum y el sentimiento que transmitía. Sentimiento de pesadumbre que se cuela una tras otra en las hermosas melodías de su autor con la excepción de la final y mencionada <i>Say Yes</i>, cuyo carácter positivo, empezando por el título, contrasta especialmente con lo que le ha precedido por estar colocada en el último lugar. Sea como fuere, hablamos de un trabajo estupendo al que sucederán otros tres también imprescindibles (<i>From A Basement On A Hill</i> publicado tras la muerte de Smith) que continúan esparciendo lo rayos de su belleza y desesperación mayoritaria igual que <i>Either/Or</i>.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCdKFWj2FRrKrIxCHkgL0_Myo-nwU_bSgRKLacidjV2gydjfRic6yNTRPYO7F2U1mcRL-0wmIFhQkNl_nJA5jgkMSOxZHhlgIc1aAYckC_PWCQsUpidb5Vwmmx4SRZ9HlXm58I0Rjrrdx-x5bHau4brqxWd6X410jg5OQDh03V8RZ1tn2p4c9s0izdVy92/s600/Either%20Or%20(contraportada).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="467" data-original-width="600" height="311" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCdKFWj2FRrKrIxCHkgL0_Myo-nwU_bSgRKLacidjV2gydjfRic6yNTRPYO7F2U1mcRL-0wmIFhQkNl_nJA5jgkMSOxZHhlgIc1aAYckC_PWCQsUpidb5Vwmmx4SRZ9HlXm58I0Rjrrdx-x5bHau4brqxWd6X410jg5OQDh03V8RZ1tn2p4c9s0izdVy92/w400-h311/Either%20Or%20(contraportada).jpg" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: georgia;"><br /> </span><br /><p></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com7tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-88237036952493147432024-01-29T08:14:00.001+01:002024-02-16T21:13:16.229+01:00Dirty Diamonds<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVmRe4bsOdBztM4pnqJ-3j87H6kN1dxpT2fqTJrNlMJIjysfiDKFGNKSOnmTjVxVdWZ9a8pnWsei11Bv9HuJVdqkUl5nMm835dBwG_mbayXPDWXVDEBA6kUTK1ItPFw4EOOhyphenhypheno3nxMOWskWk5hyE8__wG1GNVWQkDzA5IlNBy4sfunCdyFx1ZCFdc7QX-O/s599/Dirty%20Diamonds.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="599" data-original-width="599" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVmRe4bsOdBztM4pnqJ-3j87H6kN1dxpT2fqTJrNlMJIjysfiDKFGNKSOnmTjVxVdWZ9a8pnWsei11Bv9HuJVdqkUl5nMm835dBwG_mbayXPDWXVDEBA6kUTK1ItPFw4EOOhyphenhypheno3nxMOWskWk5hyE8__wG1GNVWQkDzA5IlNBy4sfunCdyFx1ZCFdc7QX-O/s320/Dirty%20Diamonds.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Se alineaban los astros en 2005 para que Alice Cooper pariera este feliz álbum de rock and roll, un <i>Dirty Diamonds</i> realmente ardiente que lleva dentro, al menos en buena parte, el amor y las enseñanzas que Vincent Damon Furnier recibió de los Who, los Stones y otras piedras angulares de la invasión británica de la década de 1960. Y digo que en buena parte porque hay momentos metálicos a mitad de camino como <i>Run With The Devil</i> u horrendas incursiones rap como la colaboración con Xzibit que cierra el disco, <i>Stand</i>, que se esfuerzan en devaluar el conjunto. Por fortuna, no pueden. Prueben con la tríada que lo abre y caerán rendidos. <i>Woman Of Mass Distraction</i>, <i>Perfect</i> y <i>You Make Me Wanna</i> son canciones adictivas, plenas de groove y muy bien cantadas por Cooper e interpretadas por una banda en la que hasta el coyuntural Tommy Clufetos lo cuadra. Sin ser quizá tan redondas se van sucediendo apuestas ganadoras por el stoner <i>—Dirty Diamonds</i>—, la balada country y fronteriza <i>—The Saga Of Jesse Jane</i>—, el rock and roll primitivo bañado de góspel —<i>Sunset Babies (All Got Rabies)</i>—, el pop barroco —la versión del <i>Pretty Ballerina</i> de Left Banke—, el hard festivo —<i>Steal That Car</i>—, la balada pop en el sentido en que dicho subgénero era adaptado y parodiado por la Alice Cooper Band —<i>Six Hours</i>—, el cruce de pop y high energy del artista de principios de los ochenta —<i>Your Own Worst Enemy</i>— y las atmósferas densas de <i>Zombie Dance</i>. Parte todas ellas de un elepé muy brillante de quien en los setenta fuera una de las grandes figuras de la música del diablo.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg61Ph-jsYCzKGFRQ_N3-PZk3lLAq_NG42mMC-2dWOmNSc_n-02zQly7QqUyacwCFKJoJ7zso-W2_AVNbp9oEY6kfLkDIdETcKiRmh85TgT7cW-GEsP-MMhf0OLvjntWvtmPOPN2q28ZjX-wni1LbiJhJDdaPIMyaNd5Ox6YfKK_E4J4jcUS_oW24liTnFt/s599/Dirty%20Diamonds%20(contraportada).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="468" data-original-width="599" height="313" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg61Ph-jsYCzKGFRQ_N3-PZk3lLAq_NG42mMC-2dWOmNSc_n-02zQly7QqUyacwCFKJoJ7zso-W2_AVNbp9oEY6kfLkDIdETcKiRmh85TgT7cW-GEsP-MMhf0OLvjntWvtmPOPN2q28ZjX-wni1LbiJhJDdaPIMyaNd5Ox6YfKK_E4J4jcUS_oW24liTnFt/w400-h313/Dirty%20Diamonds%20(contraportada).jpg" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: georgia;"><br /> </span><br /><p></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-57255845740890931662024-01-25T08:06:00.000+01:002024-01-25T08:06:21.086+01:00Garabatos<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxO5evcaJe54F_EJkx118CEVBgEkfAAEOpG23wScLTmBifzJ6rChY4m_zsFfJ8S-kVhXzika0cVK0DRY6bJ8yqiC4TZNjkV4Im61Y1ZlXbqRWH-H9H1fiORiaMnH5VfOjlremMEXQkC7urlL_CYQg32v4jHe2khFM0LQr112yxbHB6-rI8fftETOtubBKF/s600/Garabatos.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxO5evcaJe54F_EJkx118CEVBgEkfAAEOpG23wScLTmBifzJ6rChY4m_zsFfJ8S-kVhXzika0cVK0DRY6bJ8yqiC4TZNjkV4Im61Y1ZlXbqRWH-H9H1fiORiaMnH5VfOjlremMEXQkC7urlL_CYQg32v4jHe2khFM0LQr112yxbHB6-rI8fftETOtubBKF/s320/Garabatos.jpg" width="320" /></a></span><span style="font-family: georgia;"> <br /></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Además de los nombres en común con su excelente debut en solitario <i>Las golondrinas etcétera</i>, los créditos del segundo paso de Josele Santiago (<i>Garabatos</i>, 2006) dan otra pista que nos hace intuir que las cosas van a ir en la línea del primero: "Grabado en riguroso directo del 12 al 16 de Junio de 2006 y mezclado la semana siguiente en los estudios Cinearte de Madrid", si bien entonces las fechas eran de octubre de 2003 y los estudios los de Musigrama. La producción no es de Nacho Mastretta sino del guitarrista Pablo Novoa, pero el ambiente musical, las intenciones artísticas y, claro, el surrealista universo lírico son similares. Por algo compone, canta y toca la guitarra acústica el entonces ex enemigo.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"><i>Las cosas fingen</i> y su alianza imposible de folk y soul jazz adelantan lo dicho en el párrafo anterior y la importancia que va a tener cuando aparece el violonchelo de Marina Sorín, añadiendo matices al sonido del grupo de Santiago. La amalgama de folk, copla y swing del <i>Baile de los peces </i>mantiene el rumbo mientras que <i>En tu estampa</i> se decanta por la balada de cierta solemnidad. La ironía de <i>Pensando no se llega a ná</i> es musicada con la alegría engañosa de un Randy Newman. La caricia de <i>Ñam ñam</i> y su prominente órgano es seguida de los aires de tango y fado de <i>Farol</i>, un poco a lo Tom Waits, a los que se yuxtapone una <i>Luna nueva</i> folk. <i>Santo de nadie</i> tira hacia el pop sin otras etiquetas pero vestido a la manera específica de Santiago y sus compañeros. Los <i>Garabatos</i> que intitulan esta función pasan por samba castiza antes de que <i>Sin Remedios</i> juegue entre el soul jazz y el rock en un tema eminentemente triste.</span></p><p><span style="font-family: georgia;">La única versión del disco, <i>Buonanotte Fiorellino</i>, sirve de cierre con Santiago pasándose al italiano en esta suerte de folk circense. Quizá inferior a su primer álbum, <i>Garabatos</i> me parece muy notable y, sobre todo, garante de que la personalidad de su autor no se pierda. Personalidad que no sería la misma sin, aparte de la mencionada Sorín y el clarinete invitado de Mastretta en el último corte, las seis cuerdas eléctricas de Pablo Novoa, la batería de Ricardo Moreno, el órgano y el piano de Luca Frasca y el bajo de Mac Hernández. De rigor nombrar a quienes dan forma espléndida a las canciones de Josele Santiago y <i>Garabatos</i>.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgi2bS8myl5TlPtzRYFo6jcw9hkbqGnN39FQXD5qGnumgH8HQJXGbRZPGuyMyN6qqZExgXK8-EVO_M2C_iCDQb2_kFnAGS2diP2VpBCiEIIchHgqzWRdaN3CIJC2JqnQO3Q0WmSmj26V6FUCY0hySu5a_yigJiCzoKm7PSl_GHEeSMIJPdXRqK0y6FQ91bo/s599/Garabatos%20(contraportada).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="463" data-original-width="599" height="309" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgi2bS8myl5TlPtzRYFo6jcw9hkbqGnN39FQXD5qGnumgH8HQJXGbRZPGuyMyN6qqZExgXK8-EVO_M2C_iCDQb2_kFnAGS2diP2VpBCiEIIchHgqzWRdaN3CIJC2JqnQO3Q0WmSmj26V6FUCY0hySu5a_yigJiCzoKm7PSl_GHEeSMIJPdXRqK0y6FQ91bo/w400-h309/Garabatos%20(contraportada).jpg" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: georgia;"><br /> </span><br /><p></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-5796437882912606782024-01-22T08:25:00.000+01:002024-01-22T08:25:46.878+01:00London Calling<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgW9DYfCsBi7zgL3TcXn2f7KCMbvjB1cuyAEown4rlQwlsaNM5F89HA1CK5tYyresppy6JLBtXf3vdrArvnTYxeEpF-t9gUV3y7soiiA_EhM3_quNRYLZg6rYeine79_-r-PxuSMjGhvPMa4RSFSvkdXsKcGhAMUym2zb9vDWcMwhp-OuGV7D44IUwzp9c/s600/London%20Calling.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="599" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgW9DYfCsBi7zgL3TcXn2f7KCMbvjB1cuyAEown4rlQwlsaNM5F89HA1CK5tYyresppy6JLBtXf3vdrArvnTYxeEpF-t9gUV3y7soiiA_EhM3_quNRYLZg6rYeine79_-r-PxuSMjGhvPMa4RSFSvkdXsKcGhAMUym2zb9vDWcMwhp-OuGV7D44IUwzp9c/s320/London%20Calling.jpg" width="319" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">La energía arrolladora de la inicial <i>London Calling</i> habla claramente de un cambio. No se ha ido la rabia ni la inmediatez punk, pero el ska se colado en la ecuación. Es solo el comienzo de un doble álbum de 1979 convertido en mito y leyenda. En efecto. Con su tercer trabajo los Clash arrastran a las hordas punk rockers a otros caminos sin abandonar su gusto por la canción corta y popular, la crónica social y el alegato político.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmrxfYY-61b7gHLa7yDZXsscF-77pfx_w54tkCs-XEGCk3JkUX_dQqAYPAQ7m62NOXDHX_SmWvKlKP0Ii7wFd77BMETCm82jCWpyhgTY9RNt_ZwP1Vn2sE0N6SEWckRqf0EP0ivKy5WmRhfJTQUd9bf7DaDx7KA3wydrSTxIQ0HFy9rhaxXmoLuST-Jc_u/s883/The%20Clash%201979.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="588" data-original-width="883" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmrxfYY-61b7gHLa7yDZXsscF-77pfx_w54tkCs-XEGCk3JkUX_dQqAYPAQ7m62NOXDHX_SmWvKlKP0Ii7wFd77BMETCm82jCWpyhgTY9RNt_ZwP1Vn2sE0N6SEWckRqf0EP0ivKy5WmRhfJTQUd9bf7DaDx7KA3wydrSTxIQ0HFy9rhaxXmoLuST-Jc_u/w400-h266/The%20Clash%201979.jpg" width="400" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">La versión del clásico rockabilly de Vince Taylor y sus Playboys <i>Brand New Cadillac</i> suena a bomba high energy en manos de Joe Strummer y compañía. <i>Jimmy Jazz</i> , <i>Hateful</i> y <i>Rudy Can't Fail</i> juegan con el reggae, el ska y el dub abiertamente, incluyen vientos y amplían una paleta estilística que los dos primeros elepés habían restringido —lógicamente— a los sonidos llegados de Nueva York y Detroit y regurgitados con acento británico y conciencia de clase. <i>Spanish Bombs</i> nos habla vestida de pop y con palabras injertadas en un castellano muy mejorable de la guerra civil española, recuerdos de la lucha antifascista establecida en nuestro país como prólogo de la contienda universal y mención específica a Federico García Lorca. <i>The Right Profile</i> trae más ska ardiente para que <i>Lost In The Supermaket</i> retome el pop e incluso la música disco en una canción anticonsumista llena de melancolía. Los Clash, no hay duda, han cambiado pero siguen siendo un grupo espléndido. La potencia rock de <i>Clampdwon</i> no nos puede llevar a engaño por mucho que gocemos de ella. <i>The Guns Of Brixton</i> da por finiquitado el primero de los plásticos volviendo al reggae y estableciendo una excepción, pues no son Strummer o Mick Jones quien componen o cantan sino Paul Simonon, el bajista al que vemos en la icónica portada a punto de destrozar (</span><span style="font-family: georgia;">¿la ruptura que significa <i>London Calling</i>?</span><span style="font-family: georgia;">) su instrumento.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnd2BFJTgQ3EQFmp3P31_8SGY2FayzWqj-Hy47r5KMOlRDTmQNdeKIRdNOeDZ0vkYFCB1S0V9OeOsstjjEjjREPgwCpfASEwdmPyiLMftCY03Ubfb96HyI9hzBYNs5BfM-3cDDLqK5DG0azsltJCEZZFnSzDr-ub-taerHpSEdmLzJhrFBXOcNoR4jd1WH/s600/London%20Calling%20(contraportada).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="595" data-original-width="600" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnd2BFJTgQ3EQFmp3P31_8SGY2FayzWqj-Hy47r5KMOlRDTmQNdeKIRdNOeDZ0vkYFCB1S0V9OeOsstjjEjjREPgwCpfASEwdmPyiLMftCY03Ubfb96HyI9hzBYNs5BfM-3cDDLqK5DG0azsltJCEZZFnSzDr-ub-taerHpSEdmLzJhrFBXOcNoR4jd1WH/s320/London%20Calling%20(contraportada).jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">El segundo vinilo lo abría la lectura del delicioso <i>Wrong 'Em Boyo</i> de los Rulers, que el cuarteto inglés convierte en un fiesta ska. <i>Death Or Glory</i> es un himno rocanrolero de colores punk y new wave que sirve para criticar a los ya por entonces viejos roqueros (imaginen hoy), crítica que se vuelve anticapitalista nada más leer el título de la breve y punk, aquí sí, <i>Koka Kola</i>. <i>The Card Cheat </i>es una canción épica que sitúa a la banda cerca de Bruce Springsteen y continúa ensanchando los matices y la riqueza del álbum. <i>Lover's Rock</i> tiene elementos reggae, elementos new vave y hasta elementos funk en su segunda mitad, mientras que <i>Four Horsemen</i> es un tema rock sin demasiados ambages. También el rock and roll está en la pegadiza <i>I'm Not Down</i>, que no en la adaptación del <i>Revolution Rock</i> de Danny Ray, cinco minutos y medio de reggae que aparentemente completaban el doble disco si se miraba la contraportada en el momento de su lanzamiento. No era así, claro. Añadida a última hora, <i>Train In Vain</i> y su pop feliz (en lo musical) y tajantemente comercial ponía el punto final a <i>London Calling</i>, soplo de aire fresco cuya gloriosa cartografía hemos tratado de glosar lo más acertadamente posible.</span></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com7tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-40750654773219513352024-01-18T08:17:00.000+01:002024-01-18T08:17:07.756+01:00Fireball<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjd7qxzVYogHuUngKmyf5Vj8cUSYiWzsEdAC9vRM89SKDjH7uVnnHkvUatn1lXkpUvDUx-uE4pgmNsNltDoPOiLci68Wjtuf9vR9GTUk-7oJJou4Tnca9Kr1wda3LbmVnziJGvze_Guu6mcQ9CAga6c5i3sjGyjTrXnu7n0i5-QK2Ab9O8na-Chxdcnqc3K/s600/Fireball.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjd7qxzVYogHuUngKmyf5Vj8cUSYiWzsEdAC9vRM89SKDjH7uVnnHkvUatn1lXkpUvDUx-uE4pgmNsNltDoPOiLci68Wjtuf9vR9GTUk-7oJJou4Tnca9Kr1wda3LbmVnziJGvze_Guu6mcQ9CAga6c5i3sjGyjTrXnu7n0i5-QK2Ab9O8na-Chxdcnqc3K/s320/Fireball.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Situado entre dos tótems del hard rock como son <i>In Rock</i> y <i>Machine Head</i>, tengo la impresión de que <i>Firebal</i>l (1971) siempre pasa algo desapercibido cuando se habla de Deep Purple, a pesar de ser, o quizá por ello, un álbum en el que la banda inglesa afronta retos musicales en busca de diferentes formas de expresión sin romper con su manera general de acercarse al rock and roll.</span></p><p><span style="font-family: georgia;">Ciñéndonos a la edición europea del elepé, <i>Fireball</i> lo abre y nombra mediante una pieza veloz muy de la casa, la más breve e inmediata de la función en contraste con <i>No No No</i>, que con sus siete minutos dobla a su predecesora. Rebaja aquí el quinteto la velocidad y se vuelca en dar con una atmósfera progresiva en la que dominan las exploraciones de la guitarra de Ritchie Blackmore y el órgano de Jon Lord y la soberbia batería de Ian Paice a lo largo y ancho del tema. El blues rock cocinado a la manera Purple, con esa cadencia tan particular, protagoniza <i>Demon's Eye</i> (sustituida por <i>Strange Kind Of Woman</i> en Estados Unidos) antes de que <i>Anyone's Daughter</i> sorprenda con su giro hacia un peculiar honky tonk de rasgos jazzísticos, que el piano de Lord afirma y sostiene y las seis cuerdas de Blackmore ensanchan, y que también tiene aires de music hall y burlesque. Conocida por los solos Paice en directo, en estudio <i>The Mule</i> cuenta con su original y rotunda percusión aunque las intervenciones individuales sean de Lord y Blackmore. <i>Fools</i> es el corte más extenso, ocho minutos largos de rock progresivo que en su segmento central coquetean con la música barroca quizá un tanto ostentosamente, si bien asimismo contengan momentos inequívoca y salvajemente rockers.</span></p><p><span style="font-family: georgia;">En una línea no muy lejana a la de <i>Demon's Eye</i>, <i>No One Came</i> cierra de manera espléndida el disco, gracias a la composición en sí misma, a los solos de Blackmore y Lord, a las baquetas de Paice, al bajo de Roger Glover y a la voz de Ian Gillan, elementos imprescindibles estos dos últimos en el conjunto de <i>Fireball </i>que no podíamos olvidarnos de mencionar y alabar. Postrera de las siete canciones, la citada en la primera línea del párrafo, que conforman un trabajo enorme que debe ser reivindicado como parte del mejor legado de Deep Purple.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIiPBxOKu8PuHvXXtOZbc2rC3GzB81mwAE87QL9bo2BpOwH9dSFKs6_sFO31MhGM4I-HbucUvim8axT4XwkZyTMbSaPJWqd7eT4LLIK7GdmFU7o-99lifOfH1Lh0aM4qXyG52hLDWg_woahLZjzCkm_D5pVmaWEgnI01yP1lMXXyMlX8Hf9C3WhaIODpRG/s600/Fireball%20(contraportada).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIiPBxOKu8PuHvXXtOZbc2rC3GzB81mwAE87QL9bo2BpOwH9dSFKs6_sFO31MhGM4I-HbucUvim8axT4XwkZyTMbSaPJWqd7eT4LLIK7GdmFU7o-99lifOfH1Lh0aM4qXyG52hLDWg_woahLZjzCkm_D5pVmaWEgnI01yP1lMXXyMlX8Hf9C3WhaIODpRG/s320/Fireball%20(contraportada).jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia;"><br /> </span><br /><p></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-36115658900293782552024-01-15T09:19:00.000+01:002024-01-15T09:19:45.151+01:00Nina Simone Sings Ellington!<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2RhN6rLe1KzFQDFRF0WlDaFHb0_4qlFheBhtdfVnFpG3GwtJWzIU5uchvwkv3Es2a-Tx8sYtLQBwM8R9Q3ewyUWWQzPDaiGw6hisO0ivnjN-Z5aNaOos14knfsdNSuDmb_XdH6QhH50fkKofv_7jECYtFLXRZDxcvk1tNjd_MWg6KDKVpHJWzZmG6VNvg/s600/Nina%20Simone%20Sings%20Ellington!.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="597" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2RhN6rLe1KzFQDFRF0WlDaFHb0_4qlFheBhtdfVnFpG3GwtJWzIU5uchvwkv3Es2a-Tx8sYtLQBwM8R9Q3ewyUWWQzPDaiGw6hisO0ivnjN-Z5aNaOos14knfsdNSuDmb_XdH6QhH50fkKofv_7jECYtFLXRZDxcvk1tNjd_MWg6KDKVpHJWzZmG6VNvg/s320/Nina%20Simone%20Sings%20Ellington!.jpg" width="318" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Thelonious Monk, Earl Hines, McCoy Tyner, Oscar Peterson… Muchos son los pianistas (además de todo tipo de instrumentistas jazzísticos y músicos de otros géneros en composiciones, versiones sueltas o álbumes completos) que han homenajeado a Duke Ellington. Pero si nos referimos a <i>las</i> pianistas la cosa cambia. Por eso es importante recordar el acercamiento de Nina Simone a la obra del gigante del jazz en 1962. En poco más de media hora y once temas, la genial Simone (con acompañamiento orquestal y de los Malcom Dodds Singers) se apropia del universo Elllington mediante una mezcla de canciones populares y menos conocidas, sentimentales y bailables y de diferentes épocas, como demuestran yuxtaponiéndose la delicadeza del clásico de los años treinta de Billy Strayhorn, el mítico colaborador del artista de Washington, <i>Something To Live For</i> y el swing del original de Ellington de los cincuenta <i>You Better Know It</i>. O, culminando el elepé, la lectura instrumental (la única del plástico) del <i>Satin Doll</i> de los cincuenta de Ellington, Strayhorn y letra aquí ausente de Johnny Mercer, que Simone aprovecha para improvisar deliciosamente siguiendo el origen blues del tema, y la adaptación vibrante del <i>It Don't Mean A Thing (If It Ain't Got That Swing)</i> de principios de los treinta, donde swing y doo-wop se abrazan felices diciendo adiós al oyente. No es, concluimos, <i>Nina Simone Sings Ellington!</i> el mejor disco de Nina Simone, pero sí un buen tributo a uno de los músicos más importantes y extraordinarios del siglo XX. Y hecho por una mujer, que de los de los hombres se ha hablado con extenuación.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsNTtINks7y3TNYwOQt5DKOs0T1IKGCTPyvEPR0o1zfgkW6POkxYwX9pAcx4cpc05mFrlshFTjN9W_PwRrrndUBbc_SoXL4uLSxOzwcy4iDHiPPIB71gK4zresa4zSptEx2QoG5CUK2kmE6FOlUtn6w8SELkzy79U9Y72YOWsOMiWrx6_cp-uU12K3VjxI/s599/Nina%20Simone%20Sings%20Ellington!%20(2).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="599" data-original-width="596" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsNTtINks7y3TNYwOQt5DKOs0T1IKGCTPyvEPR0o1zfgkW6POkxYwX9pAcx4cpc05mFrlshFTjN9W_PwRrrndUBbc_SoXL4uLSxOzwcy4iDHiPPIB71gK4zresa4zSptEx2QoG5CUK2kmE6FOlUtn6w8SELkzy79U9Y72YOWsOMiWrx6_cp-uU12K3VjxI/s320/Nina%20Simone%20Sings%20Ellington!%20(2).jpg" width="318" /></a></span></div><span style="font-family: georgia;"><br /> </span><br /><p></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-21001689380594712792024-01-11T09:04:00.000+01:002024-01-11T09:04:35.745+01:00Los perros ladraron<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaLUGOdClJ_0qDGBgO4Kp-uv4YBjG9AL6S0IFMiNtS48XYHoQj7a7UDP3rww7tswTMhKpifPvo9GbkE6eaf1RbYwdd5UkpyqL6UXzrIJZ0xsMFRQEMPGh0N_kVq9lUvWTMsHmakZyTTMY-XT3QUJuriiB2W2l73Yj2x1u58RWA-TU1N9PI2LwmTTCmJQ9k/s600/Los%20perros%20ladraron.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaLUGOdClJ_0qDGBgO4Kp-uv4YBjG9AL6S0IFMiNtS48XYHoQj7a7UDP3rww7tswTMhKpifPvo9GbkE6eaf1RbYwdd5UkpyqL6UXzrIJZ0xsMFRQEMPGh0N_kVq9lUvWTMsHmakZyTTMY-XT3QUJuriiB2W2l73Yj2x1u58RWA-TU1N9PI2LwmTTCmJQ9k/s320/Los%20perros%20ladraron.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Arranque castizo el de Los Radiadores en <i>Los perros ladraron</i>, su tercer disco de 2017. <i>Buddy Holly</i> es un medio tiempo delicioso de reminiscencias surf y flamencas que confirma a Raúl Tamarit como un compositor muy notable y personal influido por igual por los Ventures o Link Wray como por Gabinete Caligari, Seguridad Social o Radio Futura. Aumenta la velocidad con <i>Estás de suerte</i>, punk y nueva ola de la mano en otra canción estupenda en la que la letra no es menos importante que la música, algo característico de Tamarit. <i>Más no te puedo dar</i> nos sirve para ensalzar la virtudes instrumentales del cuarteto valenciano, un tema lento sumamente atmosférico gracias a la batería de Metralla, el bajo de Sergio Domingo, las guitarras de El Joven (fantástico su solo) y Tamarit y la voz de éste. El punk rock de toda la vida se adueña de <i>Marte ya no nos quiere</i> (no por nada es el corte más breve del conjunto), donde destacan las baquetas de Metralla y un final ralentizado y vacilón. La ironía de <i>Dando lecciones</i> ("Soy el Che Guevara de mi barrio") para fustigar, con o sin razón, a quien vemos en todas las batallas posibles me trae a la cabeza a Los Enemigos, banda clave en el aprendizaje de Los Radiadores, además de ensalzar la labor solista de El Joven. La <i>Felicidad</i> protagoniza una canción de pop ligeramente psicodélico y muy resultón, aroma que no abandona, sumando una buena dosis de nostalgia, <i>La última función</i>. No puede faltar otro aldabonazo punk rocker en el álbum, labor encargada a <i>Sin saber qué hacer</i>, cuya contagiosa carga melódica no esconde el hálito 77. Perfecta para culminar un elepé de rock and roll y dando la vuelta a la expresión en su título, <i>Cuerdo de atar</i> descarga emoción eléctrica a base de high energy y wah-wah y redondea la media hora larga de <i>Los perros ladraron</i> (luego cabalgamos, que diría aquél), otra pieza de una discografía a la que todavía no se le conocen errores.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHrn8rmtLP1dVIDBwhoP9JX-OnzHFGEn5NkAtBdZOdC5oJbHRg24NA-T9K0hR3kWRhYdEUqGCPWuirEhGhnIG7qKaCFVbOReQGIET-7MUlkWOt4WyZlItsXwubKtpxKXv4h5u45q97q0uaHuAIvrDqpZPoxPYzD2fapPhxypSR7GgWe3rsWlj0aIfaoumb/s804/Los%20Radiadores.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="625" data-original-width="804" height="311" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHrn8rmtLP1dVIDBwhoP9JX-OnzHFGEn5NkAtBdZOdC5oJbHRg24NA-T9K0hR3kWRhYdEUqGCPWuirEhGhnIG7qKaCFVbOReQGIET-7MUlkWOt4WyZlItsXwubKtpxKXv4h5u45q97q0uaHuAIvrDqpZPoxPYzD2fapPhxypSR7GgWe3rsWlj0aIfaoumb/w400-h311/Los%20Radiadores.jpg" width="400" /></a></span></div><span style="font-family: georgia;"><br /> </span><br /><p></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com9tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-48531980032877157292024-01-08T08:44:00.000+01:002024-01-08T08:44:27.062+01:00Electric Dreams<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdRyrXkwI4Zhq36JVkjqUPplMcyOEAfauByTUT8ISinZ6ys8ZDCY51jilQ8q7dWwXFMbFnwEzTsUC3k8FKs3c-NZ6YQklRDUwMvbGClW1bp09ofQd1om3k-kfiyaIzjGw3LIpw90Lk0-cuAhskkZo3iPlZJ5Le2r06f4n3YHAvNu1s51AKj5T16V_KThuB/s600/Electric%20Dreams.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="599" data-original-width="600" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdRyrXkwI4Zhq36JVkjqUPplMcyOEAfauByTUT8ISinZ6ys8ZDCY51jilQ8q7dWwXFMbFnwEzTsUC3k8FKs3c-NZ6YQklRDUwMvbGClW1bp09ofQd1om3k-kfiyaIzjGw3LIpw90Lk0-cuAhskkZo3iPlZJ5Le2r06f4n3YHAvNu1s51AKj5T16V_KThuB/s320/Electric%20Dreams.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Una breve introducción acústica de John McLaughlin, o <i>Guardian Dreams</i>, da paso a <i>Miles Davis</i>, o el tema en el que el guitarrista devuelve el favor a Davis por haber puesto su nombre a uno de los cortes del inconmensurable <i>Bitches Brew</i>. Se hace aquí realidad la promesa eléctrica que deducimos del título de <i>Electric Dreams</i>, elepé grabado a finales de 1978 y publicado al año siguiente. Llama la atención, además de los punteos de McLaughlin, la base rítmica que forman Fernando Saunders y Tony Smith, quienes en el futuro, antes el bajista, trabajarán con Lou Reed. <i>Electric Dreams, Electric Sighs</i> navega por mares más relajados en los que las seis cuerdas del líder y los teclados de Stu Goldberg tienen prominencia a excepción del solo de violín de L. Shankar. No deja dichos mares <i>Desire And The Comforter</i>, cuya primer tercio domina Saunders, aunque luego la pieza se transforme en una espléndida colisión de funk y jazz en la que todos los músicos aportan los suyo, incluida la percusión de Alyrio Lima y excluido —si mis oídos no me fallan, que todo puede ser— el violín de Shankar. Sí que es importante su labor, sin embargo, en el primer segmento de <i>Love And Understanding</i>, balada que canta, apoyado por Smith, Saunders sin abandonar su bajo. <i>Singing Earth</i> es la segunda miniatura del trabajo, protagonizada por Goldberg en exclusiva. <i>The Dark Prince</i> se lanza a la improvisación pura, la que va del bebop al free jazz, con muy buenos resultados en general y notables intervenciones solistas de McLaughlin y Goldberg. Llegamos al final del disco gracias a <i>The Unknown Dissident</i>, o donde se incorpora el saxo alto de David Sanborn para añadir nuevos matices a unos <i>Electric Dreams</i> adjudicados a John McLaughlin with The One Truth Band, efímero grupo que aquí acompaña al guitarrista inglés. Sin ser imprescindible sí que es un álbum recomendable que satisfará, creo yo, al aficionado que lo desconozca y quiera acercarse a él.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiqhIOkXoP67f3M3KVgPE96O0XTNSgJaeQ3u492HsVpu0RDPPsv8WLo3_pRm_P0yxVokk2eVzbmoP0bT8qOtIuZ3A0Q9ljtEJuMkr-MmSxE3BphLfdgUUYKIgrHitzwx5gkyp8Pv-zFC0u8yguQPL2VWyerISX6L1ZDHavxSM6qphje0CpvfEv_pkqNwty/s599/Electric%20Dreams%20(2).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="593" data-original-width="599" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiqhIOkXoP67f3M3KVgPE96O0XTNSgJaeQ3u492HsVpu0RDPPsv8WLo3_pRm_P0yxVokk2eVzbmoP0bT8qOtIuZ3A0Q9ljtEJuMkr-MmSxE3BphLfdgUUYKIgrHitzwx5gkyp8Pv-zFC0u8yguQPL2VWyerISX6L1ZDHavxSM6qphje0CpvfEv_pkqNwty/s320/Electric%20Dreams%20(2).jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia;"><br /> </span><br /><p></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-51304349838815174892024-01-04T09:20:00.000+01:002024-01-04T09:20:40.441+01:00Children Of The Grave<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisN39OEMzOASJUaXw0FT9XR0Khq22f96KTtxtY1CXROVQDQvP6aphVt2YLobHSXbUE0fip49bikq_WKjrCZs5gj4zm6C-aSa78YiY7Ekno1vKmsqRGnRDxZst6zZcnCKtW23PAo-_FrnSroB2_QOBpLn98JEtA9MzFceZgtcJ9Gk7X80i2wNbD6pELZCt0/s600/Children%20Of%20The%20Grave.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisN39OEMzOASJUaXw0FT9XR0Khq22f96KTtxtY1CXROVQDQvP6aphVt2YLobHSXbUE0fip49bikq_WKjrCZs5gj4zm6C-aSa78YiY7Ekno1vKmsqRGnRDxZst6zZcnCKtW23PAo-_FrnSroB2_QOBpLn98JEtA9MzFceZgtcJ9Gk7X80i2wNbD6pELZCt0/s320/Children%20Of%20The%20Grave.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Hablábamos aquí la semana pasada de "singles de fuertes contrastes", en concreto de uno de Big Star, pero como ejemplo previo de dichas y adorables rodajas citábamos a los Stones, a los Ramones y a Black Sabbath. Sencillos de los dos primeros ya han sido glosados en Ragged Glory, pero no de los de Birmingham, cosa que hoy solucionamos. Y, sí, el contraste no es solo fuerte sino extremo. Sacadas ambas canciones del <i>Master Of Reality</i> de 1971, y acortadas para la galleta, <i>Children Of The Grave</i> y <i>Solitude</i> muestran a un cuarteto radicalmente diferente. La primera es uno de los clásicos del grupo, hard rock y heavy metal</span><span style="font-family: georgia;"> de riff inolvidable de Tony Iommi y batería y percusión prominentes de Bill Ward</span><span style="font-family: georgia;"> que no podían faltar en cualquiera de sus conciertos; <i>Solitude</i>, por el contrario, transita caminos de pop psicodélico y belleza triste y sosegada (adjetivos que no quieren contradecirse) que viven en los antípodas sonoros de su compañera de viaje sin perder un ápice de calidad o estatus sabático. Eran años de gloria para la banda inglesa y esta doble cara lo refleja con claridad.</span><br /></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com7tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-87550142249675470282024-01-01T10:44:00.000+01:002024-01-01T10:44:22.096+01:00El adiós de John Wayne de la mano de Don Siegel<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinNqVwoe4VgAIqMSeZ0IImbwDEuooA09OLyJz_-zlO7aVnFcRWPMCneMGDmmeg67Qwg8QtSSCNHSOUho4ahRlxs_KE4tdY09ywPMdcslTdaKcESNURKRFuWmVsZQV44O-X9NlMheLqZsNLSHTlf8mEVa14gE2OWJeZKBjlr4TbJaBh7CPDeIYpMFKumMzG/s550/El%20%C3%BAltimo%20pistolero.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="307" data-original-width="550" height="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinNqVwoe4VgAIqMSeZ0IImbwDEuooA09OLyJz_-zlO7aVnFcRWPMCneMGDmmeg67Qwg8QtSSCNHSOUho4ahRlxs_KE4tdY09ywPMdcslTdaKcESNURKRFuWmVsZQV44O-X9NlMheLqZsNLSHTlf8mEVa14gE2OWJeZKBjlr4TbJaBh7CPDeIYpMFKumMzG/w400-h224/El%20%C3%BAltimo%20pistolero.jpg" width="400" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Desde los primeros planos que recogen imágenes de un John Wayne más joven en películas antiguas podemos intuir que <i>El último pistolero</i> (Don Siegel, 1976), último largometraje protagonizado por el mítico actor estadounidense, va a funcionar en dos niveles: el de ficción, o el de la historia que se nos va a contar, y el metacinematográfico, o el del homenaje y la despedida a un tótem indiscutible del séptimo arte. El carácter radical e inequívocamente crepuscular que Siegel confiere al trabajo y la presencia de Lauren Bacall y James Stewart potencian dicha dualidad, de la que resulta difícil evadirse.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiudMhFsU4bqgbg29ucobUuNwtuwoFBW5VB0SQyIItV6FGNLsr5iLgLomVaAyfshcfKvFJ8xP1GF_BVKCl1oLFgFiBitwMbb6Hqf4GGmhdw2zU6kSI6WDbF22cXa43DxG8YZ5oT2Dv2JjTPhL-TsTKtFxRxidBMLV4ZV1_VsdMxH5MrMBplZ0Jbw07ZakbO/s880/El%20%C3%BAltimo%20pistolero%20(2).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="495" data-original-width="880" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiudMhFsU4bqgbg29ucobUuNwtuwoFBW5VB0SQyIItV6FGNLsr5iLgLomVaAyfshcfKvFJ8xP1GF_BVKCl1oLFgFiBitwMbb6Hqf4GGmhdw2zU6kSI6WDbF22cXa43DxG8YZ5oT2Dv2JjTPhL-TsTKtFxRxidBMLV4ZV1_VsdMxH5MrMBplZ0Jbw07ZakbO/w400-h225/El%20%C3%BAltimo%20pistolero%20(2).jpg" width="400" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhi2k2H-cJ7LsEkyekTOhPmEmABerqZAtB81bAYw_adxY8w41uOlFZCQyfBdlLvB5cEm2x4VC7DJU-pDY_bf1FzBkPInAQNnGhUwKZEyDo_GmDCWXvSlFaUu_Iiq-BAwlb29728ViCnlNZAdby4HiNMfvradwtgnDm1kMn2qxNbrmLu_zi2V4yfeCx7WUdj/s646/El%20%C3%BAltimo%20pistolero%20(cartel).jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="646" data-original-width="397" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhi2k2H-cJ7LsEkyekTOhPmEmABerqZAtB81bAYw_adxY8w41uOlFZCQyfBdlLvB5cEm2x4VC7DJU-pDY_bf1FzBkPInAQNnGhUwKZEyDo_GmDCWXvSlFaUu_Iiq-BAwlb29728ViCnlNZAdby4HiNMfvradwtgnDm1kMn2qxNbrmLu_zi2V4yfeCx7WUdj/w197-h320/El%20%C3%BAltimo%20pistolero%20(cartel).jpg" width="197" /></a></span></div><span style="font-family: georgia;">Situada en 1901, o el arranque del siglo XX, en el pueblo natal J.B. Books (al que regresa a punto de morir de cáncer el pistolero que encarna Wayne), cuando el viejo oeste empieza a menguar y a ser sustituido por un nueva sociedad en la que hay agua corriente, electricidad, tranvías (todavía tirados por caballo, eso sí) e incluso incipientes automóviles, como el que mira significativamente —un mundo que se va, otro que llega— Books al final del film, la película avanza sobria y sin premura hacia un desenlace que se presume fatal. Si asistimos a un universo romántico, cruel y salvaje que se deshace para ser sustituido por otro en que la ley, el orden y la vulgaridad se impongan, también lo hacemos a una forma de hacer cine que se volatiliza, pues detrás de Wayne es imposible no ver a John Ford, a Howard Hawks y a una industria tremendamente idiosincrásica que ha dejado de existir. Sin embargo, </span><span style="font-family: georgia;">dentro
del tono dramático hecho de pequeños detalles y rostros cansados se
cuela un sentido del humor siempre necesario para compensar la tristeza
implícita y explícita, algo habitual en el autor de <i>Harry el sucio</i> (1971).</span><p></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYhNqV4GLl9QC2Vr72JLuVPKZszIUsm4Rto6j4Miw6OUjJ7xpptnRT7WX3OZ3alH4VF6mgFFGps1pExO07MfuaYAcMrZfdHG2Fr5gGfJnHzkS7mpHypS07INUsTqM31ZpnzlrJTcyLJb6SLJvcGdnrTgh8ETgxy2L3TOrBsjbinMx5Wi3UMWPFuQ5ugzb5/s550/El%20%C3%BAltimo%20pistolero%20(3).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="307" data-original-width="550" height="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYhNqV4GLl9QC2Vr72JLuVPKZszIUsm4Rto6j4Miw6OUjJ7xpptnRT7WX3OZ3alH4VF6mgFFGps1pExO07MfuaYAcMrZfdHG2Fr5gGfJnHzkS7mpHypS07INUsTqM31ZpnzlrJTcyLJb6SLJvcGdnrTgh8ETgxy2L3TOrBsjbinMx5Wi3UMWPFuQ5ugzb5/w400-h224/El%20%C3%BAltimo%20pistolero%20(3).jpg" width="400" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Las muertes física (en la pantalla) y artística (en la realidad y que cobra su sentido absoluto el 11 de junio de 1979, fecha de su deceso) de John Wayne van de la mano, no se pueden separar. El peso de su trayectoria, su impronta extraordinaria se funden con el relato de Don Siegel, modesto pero bien trabado y emocionante, mientras el vocablo adiós se pronuncia silente en nuestra cabeza. Fueras o no un nazi, como cantaba M.D.C., aquí y ahora te recordamos en tu caballo o con tu pistola en <i>Centauros del desierto</i> (Ford, 1956), <i>Río Bravo</i> (Hawks, 1959) y, por supuesto, en <i>El último pistolero</i>.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbUh8jasUv9veH9a5nWWTgl5z61iu8kOVAmYyJLcxLkDWc8TCAYtimldIHKiQkiaUrzwMd8kAr9JZw7NUdAeq38_AfA5AhFw89Bb4ctWKrHFVKqehKkqME8hzD932gWm0WhLkoP0qEeAaHQV1OTl_Dz17kaJ9VNsZ1o6Nt3HJ3HMhObdZhwEuoyHVGk-eS/s780/El%20%C3%BAltimo%20pistolero%20(4).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="439" data-original-width="780" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbUh8jasUv9veH9a5nWWTgl5z61iu8kOVAmYyJLcxLkDWc8TCAYtimldIHKiQkiaUrzwMd8kAr9JZw7NUdAeq38_AfA5AhFw89Bb4ctWKrHFVKqehKkqME8hzD932gWm0WhLkoP0qEeAaHQV1OTl_Dz17kaJ9VNsZ1o6Nt3HJ3HMhObdZhwEuoyHVGk-eS/w400-h225/El%20%C3%BAltimo%20pistolero%20(4).jpg" width="400" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia;"><br /></span><p></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-55726557332399780142023-12-28T09:32:00.000+01:002023-12-28T09:32:49.572+01:00September Gurls<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWHJnDfiuB3YHNFfH7pdKKMcyGUtioork4SgFF9WqRRNGXfQrOdZ7bnTEPhCbWmxcn8tspuJ8qNC-nLA0UiJ5lr_W5Lut3mKcZYCg-xFbDUvGY0f8ZSj2WpfWw49jA4fg4sGv1OpljZ6Yk_nc_WlWNCz-DbtI9gg_TY5j4HsocmqRTzkMDHN8BvKy2nMvz/s600/September%20Gurls.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWHJnDfiuB3YHNFfH7pdKKMcyGUtioork4SgFF9WqRRNGXfQrOdZ7bnTEPhCbWmxcn8tspuJ8qNC-nLA0UiJ5lr_W5Lut3mKcZYCg-xFbDUvGY0f8ZSj2WpfWw49jA4fg4sGv1OpljZ6Yk_nc_WlWNCz-DbtI9gg_TY5j4HsocmqRTzkMDHN8BvKy2nMvz/s320/September%20Gurls.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">Cómo me gustan los singles de fuertes contrastes. Los tienen, por ejemplo, los Stones, los Ramones o Black Sabbath (de algunos hemos hablado aquí). Y también Big Star, grupo infravalorado donde los haya que, aunque su culto haya aumentado con los años, sigue sin tener la reivindicación masiva que merece. Sacados ambos cortes de su segundo plástico, <i>Radio City</i>, un álbum espléndido a pesar del abandono de Chris Bell, el titular de la rodaja es una de las joyas del power pop de todos los tiempos. En efecto. <i>September Gurls</i> arrastra su cadencia melancólica durante tres minutos escasos de éxtasis melódico y adolescente, emoción desatada por voz, guitarra, bajo y batería cual orquesta sinfónica del rock and roll en aparente desigualdad de condiciones. <i>Mod Lang</i>, por el contrario, se dedica a la contundencia rocker con origen en los Who en una canción de similar duración pero sonoridades divergentes, perfecta para completar un single que adopta la heterodoxia dentro del amplio espectro que concede la música del diablo. Una gozada de doble cara publicada en 1974 por Chilton, Hummel y Stephens.</span><br /></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com9tag:blogger.com,1999:blog-7721438763169637187.post-17532284753471631732023-12-26T00:02:00.000+01:002023-12-26T00:02:51.780+01:00Second Winter<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqB1cpcMGJh0_xNaYEBAHDoo0_vtcpKoFGWg07GSp7o1Dee5D2IxfuEKNureDMTSjbLDCViMwHtUyZ4OmVEDOXt8LXrx8bGEIaiB-MSLN9Rs1dEd6xWnuMA6O1sGgutrMMq2TV5-WnJh94aEjvDPggU9L9fDMVbAq83HO8ez8w19h2R3J-yoLW0PYMV27f/s600/Second%20Winter.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="584" data-original-width="600" height="311" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqB1cpcMGJh0_xNaYEBAHDoo0_vtcpKoFGWg07GSp7o1Dee5D2IxfuEKNureDMTSjbLDCViMwHtUyZ4OmVEDOXt8LXrx8bGEIaiB-MSLN9Rs1dEd6xWnuMA6O1sGgutrMMq2TV5-WnJh94aEjvDPggU9L9fDMVbAq83HO8ez8w19h2R3J-yoLW0PYMV27f/s320/Second%20Winter.jpg" width="320" /></a></span></div><p></p><p><span style="font-family: georgia;">El tercer disco de Johnny Winter, segundo para Columbia, encuentra al albino viajando del blues al rock, viaje en el que profundizará hasta que en la segunda mitad de los años setenta su crucial encuentro con Muddy Waters le lleve de vuelta y sin hibridación posible al primero de los géneros mediante elepés eternos como <i>Hard Again</i>, <i>I'm Ready</i> (a nombre de Waters) y <i>Nothin' But The Blues</i> (a su nombre).</span></p><p><span style="font-family: georgia;">Pero retornemos a finales de la década anterior y <i>Second Winter</i>, álbum de 1969 y tres caras (ni doble ni sencillo) que se encuentra entre lo mejor grabado por Winter en su carrera y que musicalmente es realmente ambicioso. La primera de las caras está formada por tres cortes de querencia blues, más cercanas al rock ácido de vínculos hendrixianos la versión del <i>Memory Pain</i> de Percy Mayfield y la composición de Dennis Collins (quien aquí sustituye al bajo a Tommy Shannon) <i>The Good Love</i>, temas ambos que sirven para gozar infinito de las seis cuerdas del autor de <i>Still Alive And Well</i>. Original de Winter y situado entre los dos, <i>I'm Not Sure</i> destaca por ser menos dura y por el clavecín de su hermano Edgar, cuyo solo se yuxtapone al del guitarrista en feliz contraste.</span></p><p><span style="font-family: georgia;">La segunda parte es un festín de rock and roll y lecturas de piezas ajenas que culmina la espectacular adaptación al lenguaje Winter del <i>Highway 61 Revisited</i> de Bob Dylan. Si bien toda la banda suena como un cañón, los punteos de nuestro hombre son los que gobiernan; tensos, feroces, abrasivos, extraordinarios se extienden durante cinco minutos que si alguien afirma que superan a los tres y medio dylanianos de cuatro años atrás no encontrará réplica de mi parte. Antes, dos clásicos de Little Richard (<i>Slippin' And Slidin</i>´y <i>Miss Ann</i>) </span><span style="font-family: georgia;">y el inmortal <i>Johnny B. Goode</i> de Chuck Berry </span><span style="font-family: georgia;">en los que Edgar saca a pasear piano, saxo y órgano y Johnny sigue deleitándonos con su poderío.</span></p><p><span style="font-family: georgia;">Los cuatro temas de la tercera porción están escritos por Winter. <i>I Love Everybody</i> va en la línea blues rock de <i>Memory Pain</i> y <i>The Good Love</i>. <i>Hustled Down In Texas</i> acelera la función y la llena de delicioso swing eléctrico. No solo por su título, <i>I Hate Everybody</i> ejerce de antónimo del primer tema mencionado en este párrafo al ejecutar una pieza de soul jazz adornada por el órgano y el saxo de Edgar que demuestra que Johnny incursionaba terrenos diferentes con clase y habilidad. <i>Fast Little Rider</i> culmina <i>Second Winter</i> con siete minutos de desfase guitarrero y psicodélico que la coda noise corrobora. La cara cuarta quedaba sin prensar —detalle anecdótico del que no opino—, pero las once canciones que las otras tres recogen son un tesoro artístico que da con el Johnny Winter más inspirado.</span></p><p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9C88oFlkuCzRq-Edgt7NVT2cO62wcwx5OkdRSelio2EqjS480tHQT01JDp7FTovPZ_OL5oUTUdmpKvD9_0TyCO5hOfT2EdSnSwIBAHpuWEaIIbghW0hxBrMC2ZObkzVdjpN4YP81xXGCQeaacttP59ZyxIX48sPQhqt7yy4Jt4qVDX1ziXppBWZPAzDNA/s600/Second%20Winter%20(contraportada).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="590" data-original-width="600" height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9C88oFlkuCzRq-Edgt7NVT2cO62wcwx5OkdRSelio2EqjS480tHQT01JDp7FTovPZ_OL5oUTUdmpKvD9_0TyCO5hOfT2EdSnSwIBAHpuWEaIIbghW0hxBrMC2ZObkzVdjpN4YP81xXGCQeaacttP59ZyxIX48sPQhqt7yy4Jt4qVDX1ziXppBWZPAzDNA/s320/Second%20Winter%20(contraportada).jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia;"><br /> </span><br /><p></p>Gonzalo Aróstegui Lasartehttp://www.blogger.com/profile/01400712443871148240noreply@blogger.com4